Un rostro que no sale de los 200, sino del asombro de haberlo conocido en el Congreso Mundos de Mujeres el mes pasado en Madrid…maravilloso.

Aviso: Hay un video con subtítulos en «Categorías/videos» y habrá otros dos muy pronto… 

     27/10/1931

Una de las más conocidas feministas y disidentes políticas del mundo árabe. Psiquiatra de profesión, alcanzó celebridad mundial en 1972 con su libro Women and Sex, que abordaba el tabú de la sexualidad de la mujer musulmana, por lo que fue despedida de su puesto como directora de Salud Pública de Egipto.

Nawal El Saadawi nació en Kafr Tahla, Egipto. Su padre fue funcionario del Ministerio de Educación y su madre provenía de una familia de clase alta que, aunque contrario a las normas, permitió a Nawal ingresar en la facultad de medicina de la Universidad de El Cairo en 1949. Al graduarse, trabajó como médica en la universidad y dos años en el Centro de Salud Rural de Tahla, donde tomó conocimiento del sufrimiento y carencias de la mujer rural. Desde entonces Nawal ya plasmaba sus experiencias en la narrativa.

Más tarde estudió en la Universidad de Columbia, Nueva York,  y obtuvo su maestría en Salud Pública en 1966. Se casó con un estudiante de medicina pero el matrimonio fue fallido. Nawal tuvo que ir a la corte para obtener el divorcio, debido a las normas restrictivas para el divorcio de la mujer en islam, y finalmente lo consiguió. Su segundo marido no aceptaba que ella escribiera, por lo que el matrimonio también terminó en divorcio. En 1964 Nawal se casó con su actual marido Sherif Hetata, médico y novelista, que ha traducido varios de los libros de Saadawi al inglés. Su hija e hijo también escriben.

En 1958 escribió Memoirs of a Woman Doctor, un libro autobiográfico en parte, que se considera pionero en la narrativa moderna feminista en árabe.
En 1972 publicó Women and Sex, que trata sobre sexo, religión y el trauma de la ablación del clítoris. Su madre insistió en su circuncisión a los seis años. Aunque esta práctica estuvo prohibida por un tiempo, volvió a legalizarse en los años 90.

En los años 70 comenzó a criticar abiertamente el sistema patriarcal y a abordar otros temas tabú como el aborto, el abuso de menores, las diversas formas de opresión a la mujer y otros males. Saadawi denunció el patriarcado de las religiones y argumentó la teoría de que Egipto en la antigüedad era originalmente un matriarcado.

Perdió su puesto como vicesecretaria general de la Asociación Médica Egipcia y cerraron la revista médica Health que fundó y de la que era directora.  Desde entonces, sus muchos libros y novelas, la mayoría centrados en temas sobre la sexualidad de las mujeres árabes y musulmanas, en el contexto de una autoridad y tradición religiosas represivas la convirtieron, al mismo tiempo, en blanco del régimen laico egipcio y de las autoridades religiosas islámicas.

De 1973 a 1978 Nawal El Saadawi trabajó en el Instituto de Literatura y Ciencia. También fue investigadora en la Facultad de Medicina del Cairo y trabajó para las Naciones Unidas. En 1981, luego de criticar al gobierno del partido único de Anwar Sadat, fue arrestada y encarcelada. Fue liberada dos meses después, luego del asesinato de Sadat.

En1982, fundó la Asociación para la solidaridad con la mujer árabe, la primera organización legal feminista independiente, dedicada a la promoción de la participación activa de la mujere en la sociedad árabe. Esta organización se opuso a la Primera Guerra del Golfo en 1991 y fue prohibida por las autoridades egipcias, al igual que su publicación, la revista Noon de la que era directora.

Luego de la publicación en Cairo de La caída del Imam (1987 ), fue prohibida y su nombre apareció en listas negras de grupos fundamentalistas que la amenazaron de muerte, por lo que se exilió con su marido en los Estados Unidos, donde dio cátedra en Duke University y Washington State University en Seattle. En 1996 regresó a Egipto.

En 2004 se prohibió su novela La caída del Imam. Su nueva novela Al Riwaya publicada en 2004 también fue prohibida en Egipto.

Ha publicado más de cuarenta libros, entre ellos, su célebre Autobiografía de Nawal El Saadaw. Sus libros sobre la condición de la mujer han tenido un impacto esclarecedor para las nuevas generaciones durante cuatro décadas.

Nawal El Saadawi ha recibido varios premios literarios nacionales e internacionales, y da conferencias en universidades, al igual que en congresos internacionales. Sus obras han sido traducidas a varios idiomas y algunas forman parte del programa de estudios de varias facultades.

En diciembre de 2004 se presentó como candidata presidencial en Egipto. Como explicó en varias entrevistas, fue más bien un símbolo, sabiendo que nunca se le daría la oportunidad de acceder al gobierno.

«Todo en nuestro país está en manos del estado…por leyes conocidas u ocultas, por la tradición o por el miedo establecido y enraizado en la autoridad gobernante.» N.S.

“No hay nada que pueda vencer a la muerte más que la escritura.» N.S.

«No quiero nada. No espero nada. No le temo a nada. Por lo tanto, soy libre. Durante nuestra vida, son los deseos, las esperanzas, los miedos los que nos esclavizan.» N.S.

    29/05/1892 – 25/10/1938

Poeta argentina de origen suizo. El rasgo más característico de su producción fue un feminismo combativo que se observa en el poema Tú me quieres blanca, motivado por las relaciones problemáticas decisivas en su vida. Madre soltera, a pesar de los tabúes sociales de la época, se elevó sobre todo juicio por el valor de su poesía, como una de las primeras mujeres poetas reconocida en su propio tiempo.

La familia Storni emigró a la provincia de San Juan desde Lugano, Suiza, en 1880 en búsqueda de un futuro mejor. Allí comenzaron una pequeña empresa familiar, y años después, las botellas de «Cerveza Los Alpes, de Storni y Cía», se vendía en toda la región. Sin embargo, en 1981 los padres de Alfonsina decidieron regresar a Suiza, con sus dos hijos pequeños. Un año más tarde nació Alfonsina en el pueblo de Sala Capriasca. Cuatro años después, la familia regresó a San Juan. En 1901, la familia se trasladó a la ciudad de Rosario.

Paulina, su madre, pasó a ser la cabeza de una familia numerosa y pobre, que no podía contar con el padre de Alfonsina. Instalaron el Café Suizo, cerca de la estación de tren, pero no tuvo éxito. A los diez años, Alfonsina dejó sus estudios para lavar platos y atender las mesas. Luego de la muerte de su padre en 1906, decidió emplearse como obrera en una fábrica de gorras.

En 1907 llegó a Rosario la compañía de teatro itinerante de Manuel Cordero. Con quince años, Alfonsina reemplazó a una actriz que se había enfermado, y le pidió a su madre que le permitiera convertirse en actriz y viajar con la compañía. Así recorrió Santa Fe, Córdoba, Mendoza, Santiago del Estero y Tucumán donde representó Espectros, de Ibsen, La loca de la casa, de Pérez Galdós, y Los muertos, de Florencio Sánchez. La vida en el teatro se le hizo insoportable en un ambiente que la asfixiaba. Al regresar a Rosario, se encontró con que su madre se había casado.

Entonces decidió retomar sus estudios y entró en la carrera de magisterio en Coronda, donde obtuvo el título de docente y ganó un lugar sobresaliente en la comunidad escolar.

Se vinculó a dos revistas literarias, Mundo Rosarino y Monos y Monadas en las que se publicaron algunos de sus poemas, al igual que en Mundo Argentino.

A finales de 1911, decidió trasladarse a Buenos Aires. El nacimiento de su hijo Alejandro, sin padre conocido, en abril de 1912, la define como una mujer que se enfrenta sola a sus decisiones. Trabajó como cajera en una tienda en Florida y Sarmiento. También publicó en la revista Caras y Caretas. Su primer libro, La inquietud del rosal, publicado con grandes dificultades económicas, apareció en 1916.

Amado Nervo, el poeta mejicano paladín del modernismo junto con Rubén Darío, también publicaba sus poemas en Mundo Argentino, lo que da una idea de lo que significaría para una muchacha desconocida de provincia, compartir esas páginas.

En 1919 Nervo llegó a la Argentina como embajador de su país, y frecuentó las mismas reuniones que Alfonsina. Vinculada entonces a lo mejor de la vanguardia novecentista, se carteó con el uruguayo José Enrique Rodó, otro de los escritores principales de la época, modernista autor de Ariel y de Los motivos de Proteo, que también escribía, como ella, en Caras y Caretas. Ambos contribuyeron a esclarecer los lineamientos intelectuales americanos a principios de siglo, como lo hizo también Manuel Ugarte, cuya amistad le llegó a Alfonsina junto con la de José Ingenieros.

     A pesar de las dificultades, entre un mundo literario dominado por los hombres y las necesidades prácticas de criar y mantener a su hijo, Alfonsina continuó escribiendo. En 1918 publicó El dulce daño con la presentación de Roberto Giusti y José Ingenieros, su gran amigo y protector, a veces su médico. Al reponerse de una crisis emocional por exceso de trabajo, que la obligó a dejar momentáneamente su trabajo en la escuela, comienzan sus visitas a la ciudad de Montevideo, donde hasta su muerte frecuentará amigos uruguayos como Juana de Ibarbourou.

     En 1922, Alfonsina ya frecuentaba la casa del pintor Emilio Centurión, de donde surgiría posteriormente el grupo Anaconda. Allí conoció al escritor uruguayo Horacio Quiroga, que vivía modestamente de sus colaboraciones en diarios y revistas y desempeñó un papel protagónico en el intento de profesionalizar la escritura. Entonces Alfonsina ya había publicado sus libros Irremediablemente (1919) y Languidez (1920).

     Quiroga la nombra frecuentemente en sus cartas, sobre todo entre los años 1919 y 1922. Cuando Quiroga resuelve irse a Misiones en 1925, le pide que se vaya con él y ella, indecisa, consulta con su amigo el pintor Benito Quinquela Martín. Aquél, hombre ordenado y sedentario, le dice: “¿Con ese loco? ¡No!”.

En 1923, la revista Nosotros, líder en la difusión de la nueva literatura argentina, publicó una encuesta sobre los tres más respetados poetas del momento. La mayoría de las respuestas coinciden en un nombre: Alfonsina Storni.

Con su libro Languidez, obtuvo el Primer Premio Municipal de Poesía y el Segundo Premio Nacional de Literatura.  En 1925 se publicó Ocre, un libro que marca un cambio decisivo en su poesía. Desde 1923 trabajó como profesora de Lectura y declamación en la Escuela Normal de Lenguas Vivas, y su lugar como escritora está afianzado entre el público y otros poetas. José Ingenieros muere y esto ahonda en su soledad.

Gabriela Mistral la visita y luego publica un relato de este encuentro.  La chilena queda impresionada por su sencillez, su sobriedad, su escasa manifestación de emotividad y su profundidad.

Alfonsina intervino en la creación de la Sociedad Argentina de Escritores y su participación en el gremialismo literario fue intensa. En 1928 viajó a España en compañía de la actriz Blanca de la Vega, y repitió su viaje en 1931, en compañía de su hijo. Allí conoció a otras mujeres escritoras, y la poeta Concha Méndez le dedicó algunos poemas. En 1932, publicó sus Dos farsas pirotécnicas: Cimbelina y Polixene y la cocinerita. Colaboró con el diario Crítica y en La Nación; y dio clases de teatro. 

En 1931, el Intendente Municipal nombró a Alfonsina jurado, primera vez que ese nombramiento recae en una mujer. Alfonsina se alegró de que comenzasen a ser reconocidas las virtudes que la mujer, esforzadamente, demuestra. 

En la Peña del café Tortoni conoció a Federico García Lorca, durante la permanencia del poeta en Buenos Aires entre octubre de 1933 y febrero de 1934.

El 20 de mayo de 1935 Alfonsina fue operada de un cáncer de mama. La operación le dejó cicatrices físicas y emocionales profundas que acentuaron una constitución emocional extremamente sensible. Tras el suicidio de Horacio Quiroga en 1936, Alfonsina le dedica un poema de versos conmovedores, que presagian su propio final:

En enero de 1938, en Colonia, Uruguay, el Ministerio de Instrucción Pública organizó un acto que reunió a las tres grandes poetas sudamericanas del momento, en una reunión sin precedentes: Alfonsina, Juana de Ibarbourou y Gabriela Mistral. Hacia mitad del año apareció Mascarilla y trébol y una Antología poética con sus poemas preferidos.

Los meses que siguieron fueron de incertidumbre y temor por el carácter renuente de su enfermedad. El 23 de octubre viajó a Mar del Plata y hacia la una de la madrugada del martes veinticinco Alfonsina abandonó su habitación y se dirigió al mar. Esa mañana, dos obreros descubrieron el cadáver en la playa. A la tarde, los diarios titulaban sus ediciones con la noticia: “Ha muerto trágicamente Alfonsina Storni, gran poeta de América”.

     El 21 de noviembre de 1938, el Senado de la Nación rindió homenaje a la poeta en las palabras del senador socialista Alfredo Palacios­:

     “Nuestro progreso material asombra a propios y extraños. Hemos construido urbes inmensas. Centenares de millones de cabezas de ganado pacen en la inmensurable planicie argentina, la más fecunda de la tierra; pero frecuentemente subordinamos los valores del espíritu a los valores utilitarios y no hemos conseguido, con toda nuestra riqueza, crear una atmósfera propicia donde puede prosperar esa planta delicada que es un poeta”. Alfredo Palacios

     10/01/1903 – 20/05/1975

Barbara Hepworth es una de las escultoras más importantes del siglo XX, contemporánea de Henry Moore, con quien impulsó enormemente el arte moderno en Gran Bretaña.

Hepworth nació en Wakefield, donde cursó sus estudios secundarios. Luego estudió en la escuela de Artes Plásticas de Leeds, donde trabó amistad con Moore y en el Royal College of Art. También estudió en Italia durante un tiempo.

De 1925 a 1931, Barbara estuvo casada con el escultor John Skeaping, con quien viajó a Florencia para estudiar la escultura en el romanesco y principios del renacimiento.  En 1931 conoció a su segundo marido, el pintor Ben Nicholson, a través de quien se interiorizó sobre los desarrollos europeos contemporáneos. En los años 30, Hepworth, Nicholson y Moore trabajaron de manera estrecha y se los consideró el núcleo del movimiento abstracto en Inglaterra.

Realizó exposiciones conjuntas de gran relieve con su segundo marido en la Galería Tooth (1932), y Lefevre (1933). Visitaron París, y conocieron a Picasso, Braque, Mondrian, Arp y Brancusi. En 1935 se unieron al movimiento Astraction-Création y también fueron miembros de Unit One. Al estallar la segunda Guerra Mundial, se mudaron a Cornwall. Durante los años de guerra, Hepworth se limitó a producir esculturas pequeñas y dibujos, por falta de materiales y circunstancias personales, habiendo tenido trillizos con Nicholson, además de un hijo de su matrimonio anterior. Hepworth se divorció de Nicholson en 1951.

Sus primeras esculturas fueron casi naturalistas y tenían mucho en común con el trabajo de Moore, aunque ya se veía su tendencia hacia las formas abstractas. Trabajó la madera y la piedra. Hepworth manifestaba una actitud romántica afín emocionalmente con la naturaleza, al describir el trabajo escultórico como “una necesidad biológica, como una extensión de las fuerzas que moldean el paisaje”.

En los años 30 y 40 comenzó a centrarse en el contrapunto entre masa y espacio en la escultura e introdujo la idea de “agujero” en Inglaterra, un elemento que desarrolló con gran sutileza, jugando con la relación entre el exterior y el interior de una figura. En su trabajo se advierte una comprensión profunda de la calidad de los materiales y un nivel superior de destreza para trabajarlos.

En 1950 ya era una de las escultoras más famosas internacionalmente. Recibió varios honores y encargos públicos de prestigio. En esta época, para las piezas grandes, comenzó a trabajar más el bronce.

Hepworth contrajo cáncer de garganta en 1973. Irónicamente, murió de manera trágica en un incendio en su estudio de Cornwall, que hoy día es un museo dedicado a su trabajo. Pueden encontrarse sus esculturas en la catedral de Winchester, en la galería Tate de Londres, Kenwoold House y varias universidades inglesas.

“Nos renovamos constantemente en la contemplación de la naturaleza. Nuestra sensación del misterio y nuestra imaginación se mantienen vivas. Y si la entendemos de manera correcta, nos da el poder de proyectar en un medio plástico una visión universal y abstracta de la belleza.» B.H.

   23/06/1889 – 05/03/1966

Poeta de gran influencia en la poesía rusa. Su famosa obra maestra Requiem (1935-1940) expone el terror estalinista. Su trabajo toca varios temas que incluyen el tiempo y la memoria, el destino de la mujer creadora y las dificultades para vivir y escribir bajo el régimen de Stalin, y especialmente las tribulaciones de las mujeres que esperaban pacientemente, aunque con gran dolor e impotencia, fuera de los muros de la prisión, para enviar un mensaje o un pan a sus maridos, hijos o amantes.

Anna Akhmatova nació dentro de una familia pudiente de Odessa, Ucrania, aunque no tuvo una infancia feliz. Sus padres se separaron en 1905. Anna comenzó a escribir a los 11 años. Al enterarse su padre de su interés por la poesía, ya adolescente, le dijo que no avergonzara a la familia convirtiéndose en una “ poeta decadente”. Así fue que la forzó a usar un seudónimo, para el que Anna escogió el segundo apellido de su bisabuela materna.

Anna estudió en la facultad de derecho de Kiev y 1910 se casó con el poeta y crítico Nicolai Gumilov. Poco después de la boda, Nicolai la dejó para cazar leones, luchar en la Primera Guerra y salir con las parisinas. Durante su ausencia Anna escribió su primer libro de poemas Evening, publicado en 1912, el año del nacimiento de su único hijo, Lev. Su libro fue aclamado y su poesía admirada por los poetas de la época. Su marido no tomaba en serio su trabajo, espantado de saber que la crítica prefería la poesía de su esposa a la suya. Cuando salió su segunda colección, Rosary, en 1914, volvió a ser aclamada por la crítica y se puso al frente del movimiento vanguardista contra el simbolismo en la escena literaria rusa. Miles de mujeres comenzaron a componer poemas “en honor a Akhmatova”.

En 1918, Anna se divorció de su marido, quien en 1921 fue ejecutado por actividades consideradas antisoviéticas. Anna volvió a casarse dos veces más, la última vez con un académico de arte quien murió en un campo estalinista de trabajos forzados. A partir de 1922, Akhmatova fue considerada por el régimen un “elemento burgués” y desde 1925 a 1940 se prohibió la publicación de su obra. Para ganarse la vida, Anna hacía traducciones y publicaba artículos en revistas académicas. La mayoría de sus amigos emigraron o sufrieron represión.

En Occidente se pensaba que estaba muerta, aunque se le permitió publicar una colección de poemas en 1940. Cuando Akhmatova regresó a Leningrado, luego de la evacuación del Asia Central en 1944, encontró “un terrible fantasma que se hace pasar por mi ciudad”. El ministro de cultura de Stalin la llamó en público “mitad puta, mitad monja”,  prohibió la publicación de sus poemas e intentó expulsarla del Sindicato de Escritores.

Su hijo pasó su juventud en gulags estalinistas y Anna recurrió a publicar varios poemas elogiosos de Stalin para asegurarse de que fuera liberado.

Su trabajo circulaba de manera clandestina e incluso de boca en boca, por ser un símbolo de la herencia rusa oprimida.

Luego de la muerte de Stalin, la importancia del trabajo poético de Akhmatova fue reconocida a regañadientes, incluso por los oficiales del partido, y se publicó una edición censurada de su obra, aunque su obra Requiem nunca fue publicada en la Unión Soviética.

Akhmatova tuvo la oportunidad de volver a ver a sus conocidos de antes de la revolución en 1965, cuando se le permitió viajar a Sicilia e Inglaterra para recibir el premio Taormina y un doctorado honoris causa de la Universidad de Oxford. Su notoriedad aumentó luego de su muerte, y fue en su centenario que, Requiem, uno de los grandes pilares de la poesía del siglo XX, finalmente fue publicado en su tierra natal. En 1962 fue nominada al Premio Nobel de Literatura.

Hoy, existe un museo dedicado a Akhmatova en el apartamento donde vivió de 1920 a 1952.

Unos van por un sendero recto,
Otros caminan en círculo,
Añoran el regreso a la casa paterna
Y esperan a la amiga de otros tiempos.
Mi camino, en cambio, no es ni recto, ni curvo,
Llevo conmigo el infortunio,
Voy hacia nunca, hacia ninguna parte,
Como un tren sobre el abismo. A.A.

    25/04/1904 – 06/02/1991

Una de las pensadoras más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Filósofa española que funda un estilo y forma de expresión metafísica. Estilo que constituye una pauta fundamental para la cultura, con la imaginación poética como herramienta para entender la realidad.

María Zambrano fecunda la palabra para dar a luz a la realidad, quebrando la rigidez del racionalismo en manos de la ideología patriarcal.

María Zambrano nació en Málaga, donde sólo vivió hasta los tres años, cuando su padre, maestro de escuela, trasladó a su familia a Jaén. Más tarde la familia se mudó a Segovia, donde María cursó sus estudios secundarios.

María estudió filosofía en Madrid con profesores como Zubiri y Ortega y Gasset. Durante sus años universitarios participó en manifestaciones estudiantiles y escribió para varios periódicos. Más tarde trabajó como profesora de metafísica en la universidad de Madrid.

En 1932, comenzó a colaborar con la Revista de Occidente. Luego, en Cruz y Raya y Hora de España. Tuvo amistad con Bergamín, Luis Cernuda, Jorge Guillén, Miguel Hernández y otros escritores de renombre.

En 1936 se casó con Alfonso Rodríguez Aldave, secretario de la embajada española en Santiago de Chile. Luego de una primera visita a La Habana, regresó a España para colaborar con la República. Al fracasar la causa, en 1939 María se exilió en México y trabajó como profesora universitaria. Entabló amistad con Octavio Paz y León Felipe. Luego regresó a La Habana también para dar clases en la universidad.

En 1942 trabajó como profesora universitaria en Puerto Rico y empezó a forjar lo que llamó la “razón poética”, una razón que sigue la recepción vital de los hechos que luego se elaboran en palabras que los hace nacer. Lo que María llamó la “sabiduría del alma”.

En 1946 se encontró en París con su hermana, que habiendo sido torturada por los nazis no lograba recobrar la salud mental. María no volvió a dejarla hasta su muerte. En París conoció a Albert Camus.

En 1948 se separó de su marido y regresó a La Habana acompañada de su hermana. Allí vivieron hasta 1953 en que viajaron a Roma, donde escribió algunas de sus obras más importantes como El hombre y lo divino (1955), Los sueños y el tiempo, Persona y democracia. En 1964 fue deportada de Roma por la denuncia de un vecino fascista por “tener demasiados gatos en su departamento”. De allí fue a Suiza donde falleció su hermana en 1972. Entonces escribió Claros del bosque (1977) y empezó De la aurora, en los que se percibe un cambio hacia un pensamiento místico, y comenzó a ser reconocida en España.

Su trabajo refleja sus creencias de que los problemas filosóficos no son apenas dificultades técnicas, sino más misteriosas y simbólicas. La suya es una razón indagadora, hasta la duda.

Sólo en 1981 se le otorgó el Premio Príncipe de Asturias. Finalmente regresó a España en 1984, luego de cuarenta y cinco años de exilio. A su regreso, su actividad intelectual fue infatigable. En 1987 se inauguró la fundación en Málaga que lleva su nombre. En 1988 se le otorgó el premio Cervantes de Literatura. Falleció en Madrid y fue enterrada en su pueblo natal. María Zambrano continúa recibiendo reconocimientos por su inmensurable valor para la cultura.

“La vida se ofrece en una visión, en una intuición, no en un sistema de razones.” M. Z.

“Resbalar sobre la propia vida, sin adentrarse en ella, puede ocurrir con suma facilidad.” M.Z.

   05/05/1864 – 27/01/1922

Periodista, autora, industrialista y trabajadora voluntaria. Nellie es la creadora del periodismo de investigación y pionera en el trabajo secreto de investigación periodística.

Elizabeth Jane Cochran nació en un hogar pudiente, pero la muerte de su padre seis años más tarde, cambió radicalmente su vida y la de su familia. Aunque un hombre prominente, su padre el Juez Michael Cochran, no había testado sus bienes, por lo que fueron subastados, sin darle a su familia derecho a reclamación. La familia se mudó a un hogar más modesto y Elizabeth ayudó a cuidar de sus hermanos. Para asegurar el bienestar de sus hijos, su madre volvió a casarse al poco tiempo de la muerte de su marido. Desafortunadamente, su padrastro era un hombre violento y abocado al alcoholismo. Seguramente esta experiencia traumática, tanto para su madre como sus hijos, fue la que impulsó a Elizabeth a luchar por los derechos de la mujer.

Haciendo uso de su imaginación fértil, Elizabeth buscó una manera de expresarse y salir al mundo. A los 18 años escribió una carta anónima al director del Pittsburgh Dispatch como respuesta a un artículo sexista. El director quedó tan impresionado, que puso un aviso en el diario pidiéndole que se presentara. Al día siguiente, Elizabeth fue a las oficinas del diario y obtuvo su primer trabajo como periodista. Al considerarse indecoroso que una mujer escribiera para un periódico bajo su propia identidad, Elizabeth tuvo que buscar un seudónimo con que firmar su trabajo. Nellie Bly nació para el lector, con un artículo sobre derechos de la mujer trabajadora, el tema central en su trabajo.

Nellie ideó nuevos métodos periodísticos para cubrir temas delicados y exponer verdades sociales molestas. Se hizo pasar por una pobre trabajadora explotada para exponer la crueldad y las condiciones extremas en que trabajaban las mujeres en una serie de artículos reveladores. Cuando los dueños de las empresas amenazaron con dejar de anunciar en el Dispatch, transfirieron a Nellie para que cubriera la sección de modas. Fue entonces, con veintiún años, que Nellie decidió trabajar como corresponsal extranjera en México, desde donde continuó escribiendo artículos para el periódico, denunciando la pobreza y la corrupción política del dictador Porfirio Díaz. Finalmente, molesto por la realidad que Nellie exponía, el gobierno de México decidió expulsarla del país.

A su regreso a USA, Nellie pasó por Nueva York, donde aspiraba a trabajar para uno de los principales periódicos, The New York World de Joseph Pulitzer. Cuatro meses más tarde, todavía no había conseguido trabajo y no tenía un centavo. Decidida a no regresar a Pittsburgh, Nellie convenció a los guardias que la dejaran pasar y obtuvo una entrevista con el director ejecutivo del New York World. Allí expuso sus ideas sin vacilar y consiguió su atención y el interés de Joseph Pulitzer.

En septiembre de 1887, Nellie se unió al personal del New York World. Su primer trabajo periodístico significó investigar informes de brutalidad y negligencia en un manicomio de mujeres. Nellie entonces decidió fingirse una mujer perturbada y logró que la internaran allí. Al cabo de diez días espeluznantes, la información que obtuvo abrió paso a una investigación judicial y subsiguientes cambios, que incluyeron un aumento en el presupuesto para dichos establecimientos. Además, esta audaz y aventurada maniobra periodística lanzó a Bly a la fama dentro del periodismo neoyorkino, y fue pionera en “la edad de las maniobras periodísticas”, en la que las mujeres arriesgaban tanto su reputación como sus vidas para entrar al mundo masculino de la prensa.

Nellie continuó con este estilo periodístico secreto para el New York World hasta el otoño de 1888, cuando en una reunión ejecutiva del periódico, se decidió enviar a un hombre alrededor del mundo en 80 días. Enfurecida, Nellie amenazó que lo haría en menos tiempo para otro periódico, si no le permitían hacerlo.

El 14 de noviembre de 1889, Nellie Bly comenzó su viaje alrededor del mundo. Nunca recibió un trato especial durante su recorrido tanto en tren, barco o cualquier medio de transporte a la mano. Las experiencias de su viaje se publicaban diariamente en el New York World, y sus artículos eran esperados por todos con ansiedad. Setenta y dos días, seis horas y once minutos más tarde, Nellie regresó. Fue recibida con bandas, fuegos artificiales, desfiles y ovaciones, y alcanzó fama mundial.
Abatida y contrariada por la falta de reconocimiento de los directores del periódico, Nellie presentó su renuncia. Las historias en su vuelta al mundo aumentaron la circulación del periódico de manera tan contundente, que esperó recibir alguna bonificación, que nunca llegó.

En 1893, Nellie regresó al New York World. En sus artículos tocaba diversos temas relacionados con los derechos de la mujer y la lucha contra la injusticia. Sus jefes la adoraban porque sus historias vendían, pero también aumentaban la conciencia pública sobre los problemas sociales. Nellie expuso la corrupción en los sectores público y privado, y los ciudadanos comenzaron a pedir reformas sociales. Dio a conocer la lucha de las madres solteras y se convirtió en portavoz de la mujer.

En 1895, Nellie se casó con el industrial millonario, Robert Livingston, un hombre 40 años mayor que ella y, por fin, dejó la carrera periodística. Luego de su muerte, 10 años más tarde, Nellie quedó al frente de la compañía de su marido, donde implementó cambios radicales, que incluyeron la eliminación del trabajo a destajo, la construcción de un centro de recreación, el establecimiento de clubes de caza y pesca, una biblioteca para los empleados, entre otras cosas. Desgraciadamente, sus buenas intenciones y su reforma radical no pudieron sortear un manejo financiero deficientemente que llevó a la compañía a la bancarrota.

En 1914, Nellie viajó a Inglaterra para alejarse de sus dificultades financieras durante unas semanas, sin esperar que estallara la Primera Guerra Mundial. Durante su estadía, aprovechó la oportunidad para cubrir la guerra y permaneció en Europa hasta 1919, cuando le llegó la noticia de que su madre estaba enferma. Regresó a casa, y retomó su carrera periodística, esta vez para el New York Evening Journal. Nellie Bly murió de neumonía en Nueva York, y todos los periódicos cubrieron el hecho con elaboradas notas necrológicas.

«¿Qué cosa, además de la tortura, instigaría la locura con mayor rapidez que los tratamientos en este establecimiento? A estas mujeres se las confina para curarlas. Si los médicos que aquí me tienen, tomaran a una mujer sana y saludable y la encerraran y la obligaran a sentarse en duros bancos de madera, desde las 6 de la mañana hasta las 8 de la noche, sin dejarla hablar ni moverse todo ese tiempo, sin dejarla leer o saber del mundo exterior, y además la alimentaran mal y le dieran un tratamiento severo, ¿cuánto tiempo creen que esa vida la llevaría a la locura. En dos meses esta mujer estaría desquiciada y enferma.” N.B. (de sus observaciones durante la experiencia en el manicomio)

     07/06/1917 – 03/12/2000

Primera autora negra ganadora del Premio Pulizter de poesía. Comprometida con la igualdad y la identidad racial, fue una poeta con conciencia política, dedicada activamente a llevar la poesía a todas las clases sociales, fuera de la academia.

Gwendolyn Elizabeth Brooks nació en Topeka, Kansas. Su madre dejó la docencia para casarse comenzar una familia. Su padre, hijo de un esclavo fugitivo que luchó en la Guerra Civil, renunció a su ambición de estudiar medicina para trabajar como portero, por carecer de medios económicos para estudiar.

Cuando Brooks tenía seis años, la familia se mudó a Chicago donde se educó. Su vida familiar fue estable y rodeada de afecto, al mismo tiempo que sufrió el prejuicio racial en el barrio y las escuelas a las que asistía. Por fin, terminó asistiendo a una escuela secundaria integrada. Sus padres estimularon su entusiasmo por la lectura y la creación literaria. Brooks publicó su primer poema en una revista para niños a los trece años. A los dieciséis, había compilado una carpeta con setenta y cinco poemas publicados. A los diecisiete años, comenzó a enviar su poesía al Chicago Defender, un periódico afroamericano.

Aunque su poesía oscila entre diferentes estilos, desde baladas y sonetos a verso libre, existe un fuerte sentido de experimentación en su combinación de las formas lírica, narrativa y dramática. Sus personajes están extraídos de los suburbios pobres de la ciudad. En su poesía existe una afirmación de la vida que se eleva sobre el hedor de los pequeños apartamentos urbanos. En su poesía narrativa, las historias son simples pero trascienden los lugares. En su poesía dramática, los personajes son memorables, no por algún acto heroico sino simplemente por su lucha diaria por la supervivencia. La poesía de Brook está marcada por algunas personajes inolvidables, extraídos de los barrios pobres afroamericanos, en que Brook describe el impacto de la ciudad sobre las clases marginadas.

En 1936 se graduó en Wilson Junior College. Habiendo sido rechazada para un puesto fijo en el Chicago Defender, Brooks comenzó a trabajar como dactilógrafa.

En 1938, Gwendolyn se casó con Henry Blakely y tuvo dos hijos. En 1941, tomaba parte en talleres de poesía. Particularmente importante fue el taller organizado por Inez Cunningham Stark, que infundió vigor a su labor poética, que comenzó a tomarse en serio. En 1943, recibió un premio de poesía. Su primer libro de poesía, A Street in Bronzeville, publicado en 1945 por Harper and Row, le trajo el aplauso de la crítica. Recibió la beca Guggenheim y fue una de las “Diez Jóvenes del Año” en la revista Mademoiselle.

En 1950, publicó su segundo libro de poesía, Annie Allen, con el que ganó el Premio Tietjens de la revista Poetry y el Premio Pulitzer de poesía, el primero otorgado a un afroamericano. Luego de que John F. Kennedy la invitara a leer en el Festival de poesía de la Biblioteca del Congreso en 1962, comenzó su carrera enseñando creación literaria. Tuvo una cátedra en la Universidad de Columbia en Chicago, la Universidad de Illinois, Elmhurst College, La Universidad de Columbia, Clay College en Nueva York y la Universidad de Wisconsin. En 1967 asistió a una conferencia de escritores en Fisk University donde, dice, haber redescubierto su condición racial. Se convirtió en una de las exponentes más visibles de la “estética negra”. Este redescubrimiento se refleja en su trabajo In The Mecca, que fue nominado para el Premio Nacional de Poesía.

Brooks fue nombrada poetisa laureada de Illinois en 1968.

En 1985, fue nombrada Asesora de poesía de la Biblioteca del Congreso. En 1988, ganó un lugar en la Galería Nacional de Personajes famosos. En 1994, el gobierno federal le confirió el más alto honor para las letras estadounidenses y las humanidades, al ser nombrada profesora del National Endowment for the Humanities’s Jefferson Lecturer.

Brooks continuó recibiendo otros premios y honores de varias facultades y universidades de todo el mundo. En 1996, Brook regresó a su tierra natal y fue agasajada en diversos eventos. Luego de una corta lucha contra el cáncer, Gwendolyn Brooks murió a los 83 años en su hogar de Chicago.

A través de lecturas públicas, la principal preocupación de Brooks era llevar la poesía a todos. No sólo se dedicó intensamente al movimiento de talleres de poesía, sino que sus clases y concursos para jóvenes intentaron ayudar a los niños de zonas urbanas marginadas para ver “la poesía” en sus vidas. Enseñó al público que la poesía no es una actividad formal exclusiva de los más sensibles, sino una forma de arte al alcance y la comprensión de todos.

 “Se puede encontrar grandeza en un pequeño poema haiju de siete sílabas.”

“El arte duele. El arte exhorta a viajar.”

  1548 – 1603

Una de las más importantes colaboradoras de Teresa de Ávila en la reforma religiosa. María defendió los derechos de la mujer religiosa con gran dedicación, para que se le permitiera definir su propia experiencia espiritual y enseñar, inspirar y conducir a otras mujeres en la reforma de sus derechos dentro de la Iglesia.

Aunque no se conoce su lugar de nacimiento, se sabe que recibió una buena educación en Toledo, gracias a la aristócrata Luisa de la Cerda, quien tal vez haya sido uno de sus familiares. A los 14 años, María conoció a Teresa de Ávila quien vivió en casa de Luisa de la Cerda durante seis meses. Cuatro años más tarde, en otra visita, María comenzó a considerar la vida religiosa, gracias a su influencia. A los 22 años María entró en Malagón, como María de San José. Dos años fue nombrada priora, el cargo máximo del monasterio.

En 1575, Teresa, ya una gran reformadora, fundó un monasterio de Descalzas en Sevilla y llamó a María como priora. Luego de un año allí, Teresa partió y no volvieron a verse. Sin embargo, María y Teresa intercambiaron correspondencia regularmente estrechando su Amistad.

Aquellos Carmelitas Calzados que no seguían la reforma de Teresa y sus seguidores los consideraban un estorbo y pronto decidieron tomar medidas, liderados por el fraile Doria. A finales de 1575, María fue denunciada ante la Inquisición por un asunto interno, pero no tuvo consecuencias. Tres años más tarde, María y Teresa (ya con 63 años) fueron acusadas por los Carmelitas Calzados de conducta sexual indecorosa con el Carmelita Descalzo Gracián, quien apoyaba la reforma de Teresa. Destituyeron a María de su supuesto, y la encarcelaron en su propio convento. Al mismo tiempo que confinaron a Teresa en su monasterio de Ávila. Gracián fue atacado físicamente y otro líder Descalzo fue secuestrado y encarcelado.

En 1579, se produjo un cambio positivo cuando las casas de los Descalzos fueron retiradas de la jurisdicción de los Calzados y una nueva provincia fue creada con Gracián como Superior Provincial, y María restablecida en su puesto por unanimidad. Teresa y Gracián crearon una constitución para las monjas que les otorgaba considerable libertad en sus vidas espirituales y daba a las prioras un papel importante en la guía espiritual de sus hermanas.

Sin embargo, en 1582, Teresa murió y, aunque Gracián continuó en su puesto hasta 1585, un grupo de los frailes Descalzos comenzó a querer imponer menos libertad individual y consolidar su poder. Fue entonces que María comenzó su obra más importante, el Libro de recreaciones, que defendía las enseñanzas de Teresa y el derecho de las monjas a determinar su propia espiritualidad.

En 1584, Gracián envió a María a Lisboa para fundar la primera casa Descalza en Portugal, donde fue priora durante 14 años. Sin embargo, al año siguiente terminó el mandato de Gracián y Doria fue su sucesor. De allí en más, Doria propuso cambios en la constitución de las monjas para coartar sus derechos.

En 1590, a pedido de María y la priora de Madrid, Ana de Jesús, el Papa confirmó el derecho de las monjas de usar la constitución de 1581. Sin embargo, murió ese mismo año y el Papa sucesor anuló el permiso. Doria retiró a María y a Ana de Jesús de sus puestos. Cuando se le puntualizó que Teresa había sido muy eficiente como asesora espiritual, él respondió en una carta: “Aunque Dios, en ocasiones, permite enseñar a una mujer y ser de asistencia en la Iglesia, la doctrina universal de la Iglesia es que la mujer espere en silencio y en sumisión total”.

Mientras tanto, María usó su tiempo libre para escribir, tanto poesía como el manual para prioras Consejos que da una priora.

En 1592, la nueva Constitución de Doria fue aprobada y Gracián fue expulsado de la orden. Con Doria en su nuevo puesto como párroco general de los Carmelitas Descalzos, María fue encarcelada en su celda por un año y excomulgada. Allí escribió Carta de una pobre y presa descalza. María estuvo presa durante nueve meses, ya que Doria murió y fue reemplazado por un párroco menos intolerante.

La vida de María parece haber transcurrido en paz desde 1594 a 1600. Sin embargo, en 1602 fue elegido un nuevo párroco, seguidor de Doria. Y aunque no se conoce cuál fue la ofensa final de María, en 1603, el nuevo párroco general la envió a una casa aislada en Castilla donde, a sus 55 años, era tratada como prisionera, no como miembro de la comunidad donde vivía. Murió al poco tiempo después de llegar.

    21/06/1935 – 24/09/2004 

Novelista, dramaturga y guionista francesa, notoria por su vida de extravagancia y rebeldía. Su obra, una descripción objetiva de la amoralidad de las aburridas clases medias se ha traducido a varios idiomas. Escribió su primera novela y su mayor éxito, Buenos días tristeza (1954), a los 19 años.  

Françoise Sagan nació en el pueblo de Cajarc, al sudoeste de Francia, dentro de una familia adinerada. La familia se mudó a Lyon cuando comenzó la 2da Guerra Mundial y Sagan pasó un tiempo en Suiza. Con la liberación de Francia en 1944, la familia regresó a París, donde la echaron de varios colegios de monjas. A los 15 años comenzó a frecuentar clubs nocturnos y salir con amigos para (según su propia descripción) “hablar de chicos, Dios y política”. También comenzó a beber whisky del que siempre escondía una botella en su cuarto. Sagan consiguió entrar en la universidad de la Sorbonne, pero reprobó los exámenes del primer año, principalmente por su activa vida nocturna en París, y nunca llegó a graduarse.  

Ese verano, debido a una lesión durante una salida a navegar, pasó varias semanas en reposo y se puso a escribir su primera novela, Buenos días tristeza. Inmediatamente, la envió al editor Rene Julliard, quien decidió publicarla. Cuando le mostró el libro a su padre y le dijo que se publicaría, él le prohibió que usara el apellido de la familia. Fue así que Françoise, que estaba leyendo En busca del tiempo perdido de Proust, tomó su pseudónimo, Sagan, del nombre de uno de sus personajes. El éxito de Buenos días tristeza en Francia y el extranjero fue rotundo. En 1957 se hizo una película dirigida por Otto Preminger, con Deborah Kerr, David Niven y Jean Seberg. Simon & Garfunkel se basaron en su novela para escribir la canción “Los sonidos del silencio”.  

Sagan viajó a EE UU y allí conoció a Truman Capote.  En 1957, su pasión por los autos veloces casi le cuesta la vida y estuvo en coma durante tres días, a raíz de un accidente en su Aston Martin. Poco tiempo después, en 1958, Sagan se casó con Guy Schoeller, un editor, 20 años mayor que ella y se divorció dos años más tarde. En 1962, Sagan se casó con Bob Westhof, un diseñador de cerámica estadounidense. Aunque tuvieron un hijo, este matrimonio también terminó en divorcio, apenas un año después.
Luego de estos matrimonios fallidos, Sagan tuvo dos relaciones duraderas, primero con la experta en moda Peggy Roche y la directora de la revista Playboy, Annick Geille, quien la contactó para escribir un artículo sobre ella. 

Sagan se convirtió en la representante de la juventud desilusionada y aburrida, aunque potencialmente rebelde. Aunque las obras de Sagan sobre el amor, el matrimonio y el carácter superfluo de la existencia, a menudo han sido consideradas como simple entretenimiento por los críticos del sexo opuesto, la crítica femenina considera sus primeros trabajos de gran valor. El tono de confesión de Buenos días tristeza fue precursor y al mismo tiempo frío, controlado, austero. Al igual que las obras de Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir, sus personajes solitarios no tienen relaciones felices, e intentan llenar el tiempo entregándose a los placeres. Sus conversaciones diarias revelan la falta de sentido de sus vidas. 

Cuando le ofrecieron entrar en la Academia de Letras francesa, rechazó la invitación y dijo que había leído suficientes libros como para darse cuenta de la diferencia entre el mérito literario de su libro y el alboroto en torno a él. Sagan también se hizo conocer por su gusto por la bebida y el juego y, por épocas, tuvo dependencia de las anfetaminas, la cocaína, la morfina y el alcohol. 

Entre 1954 y 1965 Sagan escribió otras tres novelas que se llevaron al cine con gran éxito, aunque no fueron aclamadas como la primera. En los años 60, Sagan se volcó al teatro, donde con gran talento escribió diálogos agudos con tonos existencialistas.Como simpatizante del presidente Mitterand, Sagan comenzó a participar más activamente en la política y tomó parte en la campaña para incorporar el habeas corpus, reformar las cárceles y contra el racismo y la guerra. 

En Un Chagrin de Passage (1994), Sagan confrontó su propia soledad, al retratar un personaje masculino a quien le dan seis meses de vida, luego de recibir ella misma la noticia de un cáncer inoperable. El libro obtuvo el elogio de la crítica. En la década de 2000, Sagan comenzó a tener problemas graves de salud y en 2002 no pudo asistir a los tribunales para un juicio por evasión de impuestos, que involucraba a François Mitterand. 

Françoise Sagan murió de embolia pulmonar en Honfleur, Calvados. En su comunicado, el presidente Jacques Chirac dijo: «Con su muerte, Francia ha perdido a uno de sus escritores más brillantes y sensibles, una figura eminente de nuestra vida literaria”.
Resulta irónico, sin embargo, ya que las autoridades francesas le habían confiscado todas sus regalías y propiedades, condenándola a la penuria económica, durante los últimos cuatro años de su vida. Por la generosidad de algunos de sus amigos, Sagan no llegó a la indigencia.

Sagan recibió el Premio de la Crítica en 1954 y 30 años más tarde el Premio de Mónaco, por la totalidad de su obra.

«Toda joven sabe sobre el amor. Es sólo su capacidad para sufrir por él la que aumenta.» 

  31/08/1870 – 06/05/1952

Médica, educadora, filósofa y humanitaria italiana, Montessori fue una pionera en la educación informal, cuyo método de enseñanza se usa en todo el mundo. Éste se basa en la siguiente premisa: “Primero la educación de los sentidos, luego la del intelecto”.

Montessori rompió con los papeles tradicionales entre hombre y mujer, maestro y alumno. No era usual tratar a los niños con un nivel tan alto de respeto, en una época en que se creía que a los niños había que verlos, pero no oírlos.

Maria Montessori nació en Ancona. Su padre, Alessandro Montessori, era un funcionario del gobierno y su madre, Renide Stoppani, era una mujer culta y rica dedicada a la liberación y la unidad de Italia. Sin el apoyo incondicional de su madre, María no habría entrado en la escuela técnica a los trece años, donde comenzó a estudiar ingeniería, pero pronto lo dejó. En cambio, ingresó en la escuela de medicina, de donde se graduó con las notas más altas. Fue la primera mujer graduada de médica en la Universidad de Roma. Enseguida fue nombrada asistente de cirujano y trabajó en un hospital de niños.

En 1898, nació el único hijo de María, Mario Montessori, de su amorío con un colega, el Dr. Montesano. Juntos decidieron mantener la relación y la paternidad de Mario en secreto. A cambio de ese secreto, acordaron nunca casarse con otra persona, cosa que Montesano no cumplió.

María se interesó por las enfermedades infantiles y las necesidades de aquellos considerados  “imposibles de educar” y desarrolló un programa que permitía leer y escribir a niños con problemas de aprendizaje. Procuró enseñarles no a través de la repetición, sino desarrollando ejercicios que los prepararan para adquirir el conocimiento. Estos ejercicios entonces se repetirían: “Mirar se convierte en leer, tocar se convierte en escribir”. El desarrollo personal espontáneo a su propio ritmo.

En  1898 dio una conferencia en el Congreso Educacional de Turín sobre la enseñanza a los discapacitados. El Ministro de Educación quedó impresionado con sus argumentos y la nombró directora de la Scuola Ortofrenica, una institución dedicada al cuidado y la educación de los discapacitados. Su primer éxito fue conseguir que varios de sus alumnos de ocho años hicieran los exámenes estatales de alfabetismo. Los niños no sólo pasaron, sino que obtuvieron notas por encima de lo normal. Un logro considerado “el primer milagro Montessori”. Debido a su éxito con estos niños, se le pidió en 1907 que montara una escuela para niños en un proyecto de viviendas subvencionadas en Roma, llamado «Casa dei Bambini». Esta casa se construyó como parte de la reurbanización de un barrio pobre. El objetivo allí era crear un ambiente favorable para que los niños vivieran y aprendieran allí. Lo más importante era la autodeterminación y los logros personales. Esto suponía desarrollar el interés por los demás y la disciplina, para lo que los niños realizaban ejercicios de la vida práctica. Estos y otros ejercicios permitían un desarrollo paulatino que significaba un desafío para los niños y les permitía juzgar su propio avance.Otro elemento central en el programa de Montessori era la descentralización de la maestra, quien era la “cuidadora” del medio ambiente. Mientras que los niños realizaban sus actividades, la tarea de la maestra era la de observar e intervenir desde la periferia. Montessori complementó este concepto con la noción de una casa de los niños, como medio ambiente estimulante donde los participantes pueden aprender a tomar responsabilidad.

El éxito de esta escuela promovió la apertura de otras escuelas y el interés internacional en los métodos de educación Montessori. También trajo aparejados cuestionamientos sobre la educación “normal” y las razones del fracaso escolar de los niños.

En 1939, la Sociedad Teosófica de India invitó a Montessori, con lo que comenzó una relación especial con este país donde vivió varios años. Con la organización de varios cursos, comenzó el movimiento Montessori. En 1949, cuando viajó a Holanda, nombró un representante para que continuara con sus cursos en su ausencia.Desde 1913, el método Montessori tuvo varios adeptos en EE UU y ya en 1960 se había fundado la Sociedad Montessori Estadounidense. Con la llegada de Mussolini, Montessori se exilió por negarse a actuar contra sus propios principios convirtiendo a niños en soldados. Fue a vivir a España, donde vivió hasta 1936, al estallar la Guerra Civil. Entonces se mudó a Holanda donde se estableció la sede de la AMI. Montessori murió en Holanda luego de una vida dedicada al desarrollo de los niños. Su hijo, Mario estuvo al frente de la AMI hasta su muerte en 1987. Sus primeros trabajos se focalizaron en los derechos de la mujer y la reforma social, y evolucionaron para abarcar un método educativo profundamente innovador, con el que viajó por todo el mundo durante 40 años, dando conferencias, escribiendo y fundando programas de capacitación. Al final de su carrera, el lema “educar por la paz” fue central en su trabajo.  

«Lo esencial es que la tarea provoque tanto interés en el niño que cautive toda su personalidad. Yo estudié a mis niños y ellos me enseñaron cómo debía enseñarles.« M. M. The Absorbent Mind   «Sentí que las deficiencias mentales principalmente presentaban un problema pedagógico, no médico.” M.M.

     23/06/1879 – 12/12/1947 

Activista y líder feminista egipcia, Hoda es considerada una figura central en el feminismo egipcio del siglo XX.

Nació en Al Minya, hija de una adinerada familia egipcia. Pasó sus primeros años en un harén, una experiencia que narra en sus memorias, Años del Harén. Aprendió a leer el Corán y también árabe, persa y turco. Escribió poesía en árabe y en francés. Aunque a los 13 años tuvo que casarse con su primo contra su voluntad, desde joven mostró su espíritu independiente, al entrar sola en una tienda de departamentos de Alejandría para comprarse ropa en vez de que se la enviaran a su casa, comportamiento totalmente impensado para una mujer de su época y condición.

Shaarawi estuvo involucrada en varios proyectos filantrópicos. En 1908, creó la primera organización dirigida por mujeres egipcias, el Mubarrat Muhammad Ali, que ofrecía servicios sociales a mujeres y niños pobres. Para Hoda, la importancia de estos proyectos residía en que la mujer adquiriera conocimientos prácticos y ampliara sus horizontes, al mismo tiempo que desafiaba el concepto predominante de que la mujer es sólo una criatura para el placer que necesita ser protegida.  Fundó el Sindicato de Mujeres Egipcias Cultas en 1914, año en que viajó a Europa por primera vez.

En 1923 Shaarawi fundó y fue la primera presidenta del Sindicato Feminista Egipcio, con el que viajó a Roma para una reunión feminista internacional. En su discurso, Shaarawi expresó que la mujer en el antiguo Egipto tenía un lugar de igualdad con el hombre, que perdió con la dominación extranjera. También expresó que el Islam otorga la igualdad de derechos a la mujer, pero que el Corán es malinterpretado por aquellos en el poder.

A su regreso de Roma, se quitó el velo en público por primera vez, un hito en la historia del feminismo egipcio. Hasta su muerte, Hoda estuvo al frente del Sindicato Feminista Egipcio, que tenía como objetivos principales el voto de la mujer, la educación de la mujer y cambios en la legislación para su posición en la sociedad.

Hoda publicó la revista feminista l’Egyptienne (y al-Misriyya), y representó a Egipto en congresos de mujeres en todo el mundo. Fue instrumental en la organización de la primera Conferencia Feminista Árabe en 1944 y en la formación del Sindicato Feminista Árabe en 1945. También propuso internacionalizar el Canal de Suez y abolir las armas nucleares.

Shaarawi estuvo profundamente involucrada en la lucha nacionalista egipcia contra el dominio británico en 1919. Ayudó en la organización de la primera manifestación de mujeres y fue nombrada presidenta del comité central wafdista. Sin embargo, para su decepción y la de otras mujeres activistas, luego de la independencia, el nuevo gobierno negó el voto a la mujer. Cuando el gobierno prohibió a la mujer la entrada al Parlamento egipcio, Shaarawi estuvo al frente de los piquetes de mujeres de enero de 1924, y entregó una lista de demandas nacionalistas y feministas, que fueron ignoradas por el gobierno wafdista, por lo que presentó su renuncia al comité central.

Aunque sólo algunas de sus demandas fueron satisfechas en vida, Hoda sentó las bases para logros futuros de la mujer egipcia y sigue siendo un modelo del movimiento de liberación, ya que influyó en la vida de millones de mujeres árabes, hombres y niños, trayendo las ideas feministas al mundo árabe.  

  17/02/1914 – 06/07/1953

«De Burgos se adelantó a su época, al entender la relación entre la historia, el cuerpo, la política, el amor, la sumisión y el feminismo que luego sería la base para escritoras como Adrienne Rich y Sylvia Plath.” Publishers Weekly

Julia de Burgos fue una de las poetas más destacadas de Puerto Rico en la primera mitad del siglo XX. Sus orígenes pobres y su herencia africana fueron factores fundamentales para la evolución de la política revolucionaria que de Burgos defendió, como parte del movimiento de independencia de Puerto Rico. Su modo de vida poco convencional, con el divorcio de su primer marido para vivir abiertamente con su amante fue motivo de escándalo, en una época en que ese comportamiento era impensable para la mayoría de las mujeres portorriqueñas.

De Burgos era la hija mayor de una familia pobre y numerosa de 13 hijos. Al nacer Julia, su padre, que trabajaba para la Guardia Nacional y como agricultor, mudó a la familia al barrio de Santa Cruz, donde Julia pudiera tener mejores posibilidades de educación. Allí, en la escuela primaria ya Julia mostró señales de gran inteligencia. Fue gracias a donaciones de los vecinos que Julia pudo entrar en la escuela secundaria. Y así acceder, en 1931, a la Universidad de Puerto Rico en San Juan, donde dos años más tarde obtuvo el título de maestra.

Comenzó a trabajar como maestra en el pueblo de Naranjito, lejos de la Capital, donde Julia se reencontró con los problemas sociales y la pobreza que afectaron su niñez. Ya en la universidad se dedicó a la creación poética. Uno de sus primeros poemas fue el famoso «Río Grande de Loiza». Julia tuvo en esa época contacto con algunos de los poetas modernistas, como Luis Llorens Torres y los vanguardistas Luis Peles Matos y Evaristo Rivera Chebremont. Su temática vital: el feminismo, su vida alborotada y el amor, se expresa a veces con llamativa sencillez, pero profundamente sensual, erótica y desgarradora.
Su preocupación por la injusticia social y su amor por Puerto Rico, se vierten con gran emotividad en una poesía vertiginosa. Su don lírico, junto al contenido erótico y el simbolismo cósmico dan pinceladas para entender un alma agitada que a menudo se sintió perdida. En `Yo misma fui mi ruta,’ de Burgos toca el tema de las restricciones impuestas a la mujer por la sociedad que la fuerza a vivir de acuerdo con leyes y padrones éticos que ella no ha creado.

En los años 30 se unió a una protesta literaria contra el colonialismo europeo y el menosprecio de la cultura africana. El movimiento llamado Negritude, promovía la idea de que los artistas de ascendencia africana debían buscar la inspiración en su herencia africana en vez de basarse en las tradiciones y la estética europeas occidentales. En 1934, se casó con Ruben Rodríguez Beauchamp y dejó la docencia. Durante los tres años de su matrimonio, de Burgos agudizó su conciencia social al trabajar en una guardería infantil. Al mismo tiempo, escribió obras de teatro educativas y canciones para el programa de radio Escuela del Aire, creado por el Ministerio de Educación.

En 1937, el mismo año en que se divorcia de Beauchamp, de Burgos publica en forma privada, su primer volumen de poesía, Poemas exactos a mi misma. De Burgos publicó otros dos volúmenes de poesía, Poema en veinte surcos y Canción de la verdad sencilla (1939), que ganó un premio del Instituto de Literatura portorriqueña, antes de dejar Puerto Rico en 1940 para dirigirse a Nueva Cork. Allí llevó una vida muy activa, dando recitales de su poesía y charlas en diversos centros culturales, casi siempre invitada por portorriqueños allí radicados. También pasó parte del año trabajando como periodista y finalmente partió a Cuba con su nuevo amor, el Dr. Juan Isidro Jiménez Grullón. Se inscribió en un curso de postgrado en literatura y filosofía en la Universidad de la Habana y escribió para la prensa.

Al cabo de dos años regresó a Nueva York, luego de la ruptura de su relación, por lo que entró en depresión y dejó de escribir. Sin embargo, encontró el apoyo para su poesía del Círculo de Escritores y Poetas Iberoamericanos y trabajó temporalmente como secretaria. Vivió en Nueva York hasta que conoció al poeta, Armando Marín, con quien se casó. La pareja a Washington. La mayor parte de su trabajo publicado en este período es periodístico, especialmente editoriales y entrevistas. En 1946, el Instituto de Literatura Portorriqueña le entregó otro premio por «Ser o no ser la divisa,», un artículo editorial.

Ese mismo año le diagnosticaron una cirrosis provocada por años de alcoholismo. También le encontraron un tumor en las cuerdas vocales, papiloma. Su salud mental y física se deterioró tanto que casi se volvió una reclusa a finales de los años 40. Pasó gran parte del tiempo hospitalizada y ni siquiera la publicación de una nueva colección de poesía, El mar y tú y otros poemas, pudo darle ánimos. En 1952 le extrajeron el tumor de la garganta, pero permaneció meses internada en un hospital de Nueva York. Las cartas que le escribía a su familia en Puerto Rico durante este período muestran su obsesión con la muerte. A comienzos de mayo de 1953, de Burgos salió del hospital y fue a vivir con amigos en Harlem. La última carta que su familia recibió fue del 28 de junio de 1953. En julio, de Burgos desapareció. Luego se supo que la encontraron inconciente en la calle y la llevaron al hospital de Harlem donde murió. La causa de su muerte fue una afección pulmonar. De Burgos no llevaba identificación, de modo que su cuerpo fue enterrado en un cementerio público. Un mes más tarde, la fotografía tomada por el forense llevó a su identificación.

Su marido y sus amigos del Círculo de Escritores y Poetas Iberoamericanos consiguieron trasladar sus restos a Puerto Rico, donde recibió honores de la Sociedad de Periodistas.
Inmediatamente se hicieron varios homenajes con la presencia de prominentes figuras de las letras hispánicas y de la política por su labor poética y social. Se publicaron varias colecciones con su poesía, en 1961 y 1967. En 1987, la Universidad de Puerto Rico le otorgó el título póstumo de Doctor Honoris Causa por su contribución a la cultura de la isla.  

«En la mano del hombre se defiende la hueca
escultura de normas sobre el tiempo moldeada.» J.de B.

«He tenido que dar, multiplicarme,
despedazarme en órbitas complejas…
Aquí en la intimidad, conmigo misma,
¡qué sencillez me rompe la conciencia!.» J. de B.

    1363 -1434 (aprox)

Poeta, tratadista histórica y política del medioevo. Se enfrentó a los estereotipos misóginos de la época prevalecientes en el ámbito del arte. Fue la primera escritora profesional en Europa. Sus escritos innovadores, en los que hacía uso de técnicas retóricas, desafiaban a los escritores renombrados de la época como Jean de Meun, quien expresaba ideas misóginas en sus trabajos literarios.

En décadas recientes, el trabajo de Pisan ha recobrado su prominencia gracias a ciertos estudiosos que la consideran una feminista incipiente, por expresar con un lenguaje eficaz que la mujer podía tener un papel importante en la sociedad.

Cristina de Pisan nació en Venecia. Hija de un médico y profesor de astrología y consejero de la República de Venecia, quien poco después de su nacimiento fue nombrado astrólogo, alquimista y médico del rey por la corte de Carlos V de Francia. Fue en el entorno del Louvre donde Cristina satisfizo sus intereses intelectuales. Aprendió varios idiomas, leyó a los clásicos y estudió a los humanistas de comienzos del Renacimiento, al tener acceso a los manuscritos del archivo real de Carlos V.

Sin embargo, Cristina no expresó su autoridad como escritora hasta que enviudó, a los veinticuatro años, de Etienne du Castel, secretario real de la corte, con quien se casó a los quince años. Cristina tuvo tres hijos. Con la muerte de su marido debido a una epidemia, se encontró al frente de su familia y perseguida por numerosos acreedores que la instigaban a pagar las incontables deudas contraídas por Castel. Para hacer frente a las dificultades económicas Cristina se dedicó a escribir.

En 1393 escribía baladas de amor que llamaban la atención de los ricos mecenas de la corte, intrigados por esta novedosa escritora, a quien le pedían escribiera baladas sobre sus conquistas amorosas. Su producción literaria fue prolífica entre 1393 y 1412, cuando escribió más de trecientas baladas e innumerables poemas cortos.

En 1401, la participación de Cristina de Pisan en una trifulca literaria con varios pensadores de la época le permitió salir del ámbito de la corte, para establecerse como una escritora preocupada por la posición de la mujer en la sociedad. Durante estos años, Pisan dio origen a una disputa por cuestionar el mérito literario del renombrado Jean de Meun, quien en su famoso Romance de la rosa satiriza las convenciones del amor cortés, al mismo tiempo que retrata a la mujer como una simple seductora.

De Pisan se opuso al uso de términos vulgares en el poema alegórico de Meun, que denigraban la función natural de la sexualidad femenina. El centro del debate pasó de la capacidad literaria de Meun al descrédito de la mujer en los textos literarios, que según Cristina afectaba el vínculo entre las mujeres. La disputa ayudó a establecer a de Pisa como una intelectual capaz de defender sus opiniones en un ámbito literario de dominio masculino.

En 1409, Pisan había escrito sus obras más renombradas: El libro de la ciudad de las damas, El tesoro de la ciudad de las damas, y El libro de las tres virtudes.
El primero muestra la importancia de las contribuciones de la mujer a la sociedad. De Pisan crea una ciudad simbólica en la que la mujer es apreciada y defendida. El segundo intenta mostrarle a la mujer cómo cultivar cualidades útiles para contrarrestar la misoginia creciente. También hace hincapié en el efecto persuasivo del discurso femenino y sus acciones diarias. También explica que la mujer debe reconocer y promover su capacidad para ejercer la paz.

Finalmente, después de años de silencio, en 1429, a los sesenta y cinco años, Cristina de Pisan terminó su último libro La historia de Juana de Arco, un panegírico a la famosa líder francesa.
En 1418, se retiró a la abadía de Poissy, donde vivió junto a su hija hasta su muerte a los 66 años aproximadamente.

Con el uso de figuras retóricas, de Pisan expresa una perspectiva completamente femenina. Con ella crea un foro para hablar de temas de importancia para la mujer, donde únicamente voces femeninas dan sus opiniones y ejemplos. De Pisan sostiene que los estereotipos femeninos sólo se dan en casos en que no se le permite a la mujer entrar en la conversación masculina.

De Pisan buscó la colaboración de otras mujeres en la creación de su trabajo. Menciona especialmente a una ilustradora conocida como Anastasia, a quien describe como una de las más talentosas de su época. 

Varios estudiosos de su retórica analizaron sus estrategias de persuasión y concluyeron que de Pisan creó una identidad retórica personal de gran utilidad para la mujer en general.

         13/11/1969 – 

Escritora política controvertida, ex miembro del parlamento holandés, feminista y crítica de aquellos dogmas del islamismo que someten a la mujer a la mutilación genital y a vejaciones cimentadas en las escrituras. 

Nacida en Somalia, Ayaan es hija de un político somalí perseguido. Con ocho años, Ayaan y su familia dejaron Somalia para ir a Arabia Saudita y a Etiopía y luego establecerse en Kenia. Ayaan y su familia se refugiaron en esos países para luego Ayaan pedir refugio de su propia familia, que decidió darla en matrimonio a un pariente distante que vivía en Canadá. Al enviarla su familia a Canadá para ir al encuentro de su marido desconocido, Ayaan hizo escala en Alemania, y tomó un tren para dirigirse a Holanda y escapar del matrimonio no deseado.

En 1992, pidió y obtuvo asilo político en Holanda donde, años más tarde, entró en la vida política como miembro del parlamento holandés en el partido del pueblo para la libertad y la democracia VVD (2003-2006).

En 1995 entró en la universidad de Leiden para estudiar ciencias políticas por su deseo de entender las instituciones europeas y su propio país, diezmado por la guerra civil. Los temas que Ayaan aborda en su trabajo político incluyen la emigración, la emancipación de la mujer, la asistencia para el desarrollo en países en vías de desarrollo. Aunque admite que este tipo de trabajo no es posible en su país.

En 2002, antes de presentarse a la candidatura para el parlamento, Ayaan reveló haber mentido en su solicitud de asilo político, al haber dado nombre y fecha de nacimiento falsos, por miedo a que su familia la buscara. Igualmente, el partido aceptó su candidatura al entender sus razones.

Sus trabajos, especialmente la película Submission (Sumisión) sobre la supresión de la mujer musulmana y su autobiografía Infidel motivaron amenazas constantes contra su vida. Ayaan lleva una vida de relativa reclusión con protección las veinticuatro horas. En 2004, el director de la película Submission, Theo Van Gogh, fue asesinado brutalmente. En su cadáver dejaron apuñalada una nota con amenazas dirigidas a Ayaan.

Luego de una disputa política basada en su solicitud de asilo, que resultó en su renuncia al parlamento en 2006, Ayaan decidió vivir en los Estados Unidos, donde trabaja en la creación de un fondo para la protección de mujeres que se encuentran en su situación, habiendo sido ella misma circuncidada a los cinco años. Ayaan ha recibido varios premios por su trabajo en defensa de los derechos humanos, y fue votada una de las 100 personas más influyentes de 2005.

“En la cultura musulmana, existe una sola relación posible con Dios: la sumisión. Con el primer mandamiento, Mahoma trata de aprisionar el sentido común. Con el segundo, el lado hermoso y romántico del ser humano queda esclavizado.” A.H.A.

“Vengo de un mundo en el que la palabra “trauma” no existe, porque somos demasiado pobres. No tuve una vida fácil, comparada a la de una mujer europea media, pero comparada a la vida de una africana, no fue tan mala. Hay gente que dice que estoy traumatizada, pero es un excusa para no escuchar lo que tengo que decir.” A.H.A.

“La circuncisión femenina es una manera de controlar a la mujer. Si tienes nueve hijas y debes enviarlas fuera para trabajar, les cortas el clítoris y suturas el resto para que nadie la seduzca.” A.H.A.

    28/07/1866 – 22/12/1943

Una de las autoras de libros para niños más vendidas, creadora del famoso personaje Pedrito Conejo.  
También fue ilustradora, botanista y conservacionista.

Beatrix nació en una familia de clase media adinerada y fue criada por una gobernanta. Pasó gran parte de su infancia sola, ya que casi no veía a su hermano pupilo en un colegio. Por no haber tenido mucho contacto con niños de su edad, Beatrix comenzó a crear historias basadas en animales, que comenzó a dibujar con gran talento.

 Pasaba las vacaciones en Escocia y el Lake District donde siempre tenía alguna mascota y así aprendió a relacionarse con los animales y la naturaleza. Una vez que aprendió las técnicas del dibujo sus dibujos de ranas, conejos y murciélagos se fueron perfeccionando. A Beatrix también le interesaba la historia natural y también pasaba horas dibujando flores y hongos.

Al cumplir la mayoría de edad, sus padres la nombraron su ama de llaves para obstruir su deseo de estudiar. Desde los quince años hasta los treinta, escribió su diario todos los días usando un código secreto que sólo se dio a conocer décadas después de su muerte.
Tuvo la intención de ampliar su interés por la ciencia e incluso escribió un trabajo que inútilmente intentó presentar al Jardín Botánico de Kew, que no se lo permitió por ser mujer.
Más tarde, como resultado de sus observaciones, fue muy respetada en Inglaterra como una experta micóloga. También estudió la germinación de las esporas y los ciclos de vida de los hongos. En 1901 ya había completado 270 acuarelas detalladas de hongos.

A comienzos de los años 20, los padres de Beatrix intentaron buscarle un marido pero Beatrix rechazó a todos los candidatos. Era una mujer profundamente independiente a quien no le gustaba la idea de atarse a una vida doméstica con hijos. Con poco más de veinte años intentó publicar su libro para niños El cuento de Pedrito Conejo con sus propias ilustraciones, pero durante años no lo consiguió.
Finalmente, con 36 años, el libro fue aceptado y publicado en 1902 por Frederick Warne & Company una editorial llevada por varios hermanos. Los editores no creían que vendería muchas copias, y le dieron ese proyecto al hermano menor para que adquiriera experiencia. Norman, decidido a convertir el libro en un éxito, trabajó con Beatrix hasta afinar los mínimos detalles del libro. Su relación tomó otro rumbo y se comprometieron en secreto, a pesar de los padres de Beatrix que no querían que se casara con un comerciante, por su condición social. Finalmente accedieron con la condición de que se separaran durante seis meses para ver si ella cambiaba de opinión. Beatrix quedó destrozada cuando antes de la boda Norman murió de anemia perniciosa.

Beatrix escribió un total de 23 libros para niños. Económicamente independiente de sus padres, Beatrix se mudó a Lakeland donde compró una granja en Cumbria, y allí vivió el resto de su vida.  Pasados los cuarenta años, se casó con el abogado de la región. Debido a su vista defectuosa, Beatrix dejó de escribir libros para niños y se dedicó a criar ovejas y ayudar a la conservación de las granjas de la región.

Con las ganancias de sus libros y luego la herencia de sus padres, Beatrix pudo comprar varias granjas. Cuando murió dejó más de 1.600 hectáreas al National Trust para proteger la tierra de las promotoras inmobiliarias, uno de los legados más grandes en la historia.

Sus libros continúan vendiéndose en todo el mundo en diversos idiomas, además de adaptaciones para ballet, teatro, cine, y dibujo animado. 

«Recuerdo que de niña solía creer a medias en las hadas. No hay nada más perfecto que retener el mundo espiritual de la infancia, suavizado y equilibrado por el conocimiento y el sentido común…». B. P.

         09/02/1854 – 10/08/1929 

Según Harriet Pass Freidenreich: «Feminista y médica pionera, Aletta Jacobs tenía una perspectiva del mundo que se adecuaba más al siglo XX, aunque vivió la mayor parte de su vida en la era victoriana. Fue la primera mujer que ingresó a la universidad y obtuvo el título de doctora en medicina en Holanda. Por ser una mujer que consiguió combinar una carrera, con un matrimonio feliz y el activismo político, es un modelo de conducta para la mujer profesional de hoy”.

Aletta Henriëtte Jacobs nació en Sappemeer, Holanda. Fue la octava hija de una familia de doce hijos. A los trece años dejó la escuela del pueblo para entrar en una escuela secundaria de niñas, donde la educación se limitaba al estudio de lenguas y manualidades, para preparar a la niña a la vida del hogar. Pero eso no era lo que Aletta quería y a las dos semanas se negó a asistir. Su madre y su padre, médico judío, le permitieron que se quedara en casa donde su padre le enseñaba latín y griego. En el siglo XIX la educación secundaria sólo enseñaba a los varones matemática, historia y otras materias para prepararlos para la universidad. A las niñas no se les permitía inscribirse en escuelas para niños. Sin embargo, el padre de Jacobs convenció al director del colegio local que le permitiera a Aletta entrar como oyente. Allí aprendió las materias que le permitirían más tarde ingresar a la universidad. Este simple acontecimiento permitió, más tarde, que las escuelas secundarias en Holanda también admitieran niñas.

En 1869, por primera vez una joven se presentó al examen para asistente de farmacéutico. Aletta hizo lo mismo al año siguiente. Gracias a una tenaz perseverancia, le permitieron entrar en la universidad de Groningen. En 1876 continuó sus estudios en la Universidad de Amsterdam. Aunque tuvo que hacerle frente a la oposición de algunos profesores, se graduó de médica en 1878 y el obtuvo doctorado en 1879.
Durante estos años a Jacobs le preocupaba la injusticia social. En 1879 fue a Londres por unos meses, por haberse enterado de que los profesores, los médicos y los estudiantes saboteaban enérgicamente a las mujeres que intentaban estudiar medicina. Al regresar a Amsterdam comenzó a practicar la medicina en la casa de una viuda donde rentaba varias habitaciones.

En 1880, el líder del sindicato general holandés, le facilitó varias salas en la sede para que Jacobs diera un curso sobre nociones elementales de higiene y el cuidado de los niños. Como resultado de estas clases, Aletta decidió ofrecer atención gratis en su consultorio dos días por semana para mujeres y niños indigentes. Y así lo haría durante catorce años. Muchas de sus pacientes eran vendedoras que tenían problemas ginecológicos por pasar más de diez horas de pie con un pequeño descanso de media hora para almorzar. Una de las primeras campañas de Jacobs fue para que las tiendas donde trabajaban les facilitaran banquetas donde sentarse cuando no estuvieran atendiendo. Pero fue apenas 20 años más tarde que se aprobó una ley con ese propósito.

Fue debido a sus pacientes que tomó conciencia sobre la necesidad de encontrar una manera de controlar la natalidad. Gracias a su esfuerzo, eventualmente los métodos de control de natalidad estuvieron disponibles en Holanda.
Horrorizada por los exámenes médicos degradantes a los que los médicos sometían a las prostitutas, indignada de que la mujer se degradara para satisfacer la lujuria del hombre sin riesgo de enfermedad, Jacobs luchó contra la legalización de la prostitución.

Pero la campaña para la que trabajó durante toda su vida fue para conseguir el voto de la mujer. De hecho, como reacción, en 1887 se modificó la constitución holandesa, agregando la palabra “masculino” que indicaba que sólo la población masculina podía votar. Jacobs fue líder de la Asociación para el voto de la mujer en 1903 y fue su presidenta hasta que la ley lo aprobara.
Al enviudar, Jacobs hizo un viaje por África, Medio Oriente y el sur de Asia para defender el voto de la mujer, organizando asociaciones de derechos para la mujer. Durante la primera Guerra Mundial, comenzó su última campaña por la paz mundial y la libertad, por lo que fundó La Liga Internacional de Mujeres por la Paz y la Libertad, considerada la organización más importante de mujeres por la paz en el siglo XX. Jane Addams, su primera presidenta, recibió el Premio Nóbel de Paz en 1931.

En 1904, Aletta celebró veinticinco años de su doctorado en medicina y se retiró. In 1919 Aletta Jacobs se mudó a The Hague. Murió en un hotel en Baarn, durante una visita a Rosa Manus.

Sobre la anticoncepción dijo:

“En ningún momento me engañé creyendo que mis colegas iban a apoyarme. Sabía que eran profundamente tradicionales y también que desconocían los temas sociales. No esperé su cooperación, pero tampoco esperé causar semejante escándalo. De hecho provoqué la ira de toda la clase médica. Incluso aquellos que, en secreto, estaban de acuerdo conmigo, no lo expresaban por miedo a recibir el mismo tratamiento que yo. Fue muy difícil para mí. Al ser la única médica en Holanda, fue duro luchar contra la corriente cargada de mentiras y difamación a la que me sometían mis colegas hombres. ¡Fue una época cargada de hipocresía! En particular, me refiero a los clérigos que denunciaban los métodos anticonceptivos desde el púlpito mientras que me llenaban el consultorio con sus esposas.” A.J.

           22/03/1808 – 15/06/1877 

Su campaña a favor de la ley de la custodia de los hijos y las condiciones de divorcio la sitúa como una de las principales defensoras de los derechos de la mujer, en la época victoriana.

Caroline Sheridan nació en Londres en una familia de prestigio venida a menos al morir su padre, cuando ella tenía ocho años. Nieta del dramaturgo Richard Brinsley Sheridan, Caroline tenía dieciséis años y aun estaba en colegio cuando el diputado conservador del parlamento George Norton le propuso matrimonio. Caroline no aceptó, pero la presión de su madre debido a la situación económica familiar la obligó a acceder, por el bien de la familia. Su matrimonio fue profundamente infeliz, por ser Caroline víctima con regularidad de las golpizas feroces de su marido y el constante abuso mental y físico. Además de que disentían sobre los conceptos políticos fundamentales, ya que Caroline estaba a favor de una reforma social profunda, al igual que su padre, mientras que su marido era un conservador rígido y convencional.

Caroline sólo encontraba consuelo escribiendo y, con la publicación de sus versos Las penas de Rosalie (1829), y en 1830 obtuvo el puesto de redactora de La Belle Assemblée y Court Magazine, lo que le brindó independencia financiera. El mismo año su marido perdió su escaño y se quedó sin trabajo. Un gobierno laborista ganó las elecciones y Norton usó a Caroline para obtener un trabajo a través del ministro del interior Lord Melbourne a quien ella conocía. Cuando Melbourne y Caroline hicieron amistad, y comenzaron a circular rumores de un amorío entre ellos, George Norton no intervino, esperando beneficiarse con esa amistad. Al mismo tiempo, continuó golpeando a su esposa quien en dos ocasiones lo dejó brevemente, pero regresó debido a sus hijos. La ley de la época determinaba que los hijos eran de la propiedad del padre. Si la madre dejaba el hogar, él tenía derecho de negarle el acceso a sus tres hijos.

Norton se quejaba con Caroline de que Melbourne no había hecho suficiente por él económicamente y comenzó a disgustarse por la amistad entre Melbourne y Caroline. Cuando Melbourne fue nombrado primer ministro, Norton comenzó a filtrar información a la prensa y sugerir que existía una relación ilícita entre el primer ministro y su esposa. Un día, al regresar a casa, Caroline descubrió que su marido le negaba la entrada. Norton intentó sobornar a Melbourne sin éxito.

En 1936, Caroline dejó a su marido quien la acusó de adúltera y demandó a Melbourne por seducir a su esposa. Norton perdió el caso, pero arruinó la reputación de Caroline, además de negarle el derecho de visita a sus tres hijos. Caroline dirigió una campaña contra la ley injusta que daba al padre poder absoluto sobre los hijos. Su campaña fue fundamental para la aprobación de la Ley sobre la Custodia de los Hijos de 1839, la primera legislación feminista hecha ley. Sin embargo, George Norton se negó a que Caroline viera a sus hijos y los envió a una escuela en Escocia, donde la legislación inglesa no tenía jurisdicción. Fue sólo a raíz de la muerte accidental de uno de los niños que George Norton permitió a sus otros dos hijos vivir con su madre.

Caroline escribió La voz de las fábricas (1836) contra el trabajo infantil y El sueño y otros poemas (1840) ponderados por la crítica. Un crítico la describió como “la Byron de las poetas modernas”. En 1845 Caroline publicó su más ambicioso poema, El hijo de las islas, en el que advierte al príncipe de Gales que no debe olvidar que los pobres son explotados por las clases privilegiadas. Su novela Stuart de Dunleath (1851), basada en sus propias experiencias recibió críticas elogiosas.

Molesto por el éxito literario de su esposa, Norton la mandó vigilar para intentar quedarse con los ingresos que recibía por sus escritos, tratando de resucitar el caso de adulterio. Al no conseguir nada, dejó de pagar por la manutención de sus hijos. Caroline volvió a la campaña, para modificar las leyes que discriminaban a la mujer. En este caso, para que la mujer recibiera un dinero de manutención luego del divorcio incluyó una carta elocuente a la Reina Victoria que fue publicada. Sus esfuerzos tuvieron gran influencia en la aprobación de la Ley de Divorcio de 1857.

Caroline continuó escribiendo novelas con gran éxito. George Norton le negó el divorcio, lo que evitó que Caroline pudiera volver a casarse hasta que él murió en 1977. Caroline volvió a casarse a los 69 años con su amigo de 25 años, William Stirling-Maxwell, apenas tres meses antes de morir.

  1935 –

Una de las artistas plásticas contemporáneas mejor conceptuadas y de mayor reconocimiento internacional. Paula Rego aborda el tema de la condición de la mujer en un mundo dominado por los hombres. Su producción artística está enraizada en experiencias y recuerdos personales, en fantasías y en la historia del arte y la literatura.  

Paula Rego nació en Lisboa en una familia de clase media. Fue al colegio St. Julian en Estoril, donde pronto los profesores reconocieron su talento para la pintura y la incentivaron para que se dedicara a ella, aun siendo una actividad destinada a los hombres o las jóvenes de sociedad antes de casarse y tener hijos.
En 1952 Paula ingresó a la escuela Slade donde estudió arte hasta 1956. Allí conoció al pintor Victor Willing con quien se casó.

Luego de vivir en la quinta familiar en Ericeira de 1957 a 1962, y después del nacimiento de su primera hija, Paula necesita romper con el orden instituido por Salazar y la hipocresía de la moral religiosa con la que no se identifica. También expresa la violencia de Salazar y la opresión de su dictadura usando imágenes de dientes, vómitos, sangre, garras, excrementos y órganos sexuale en sus colages. En los años 60, Paula hizo varias exposiciones colectivas en Inglaterra y su primera individual en Portugal, muy bien recibida por la crítica.

Los años 70 fueron años de consolidación y cambios. Obtuvo una beca de la Fundación Calouste Gulbenkian para investigar sobre cuentos infantiles. Al mismo tiempo la empresa familiar fue a la quiebra, con lo que se pone a la venta Ericeira. Entonces se establece definitivamente en Londres con su familia. Paula deja los colages de los años 70 para entregarse a la pintura. La muerte de su padre en 1966 marca su vuelta al dibujo. Su mundo intimista de recuerdos de la infancia, inspirado en hechos reales e imaginarios, se expresa a través de figuras antropomórficas. El cambio más radical se produce con la serie La niña y el perro. La figura femenina asume el control. Hace de amiga, madre, enfermera, amante, en un juego de seducción y de dominación que continúa en obras posteriores. Su obra, influenciada por el surrealismo y el expresionismo, se desenvuelve en telas de grandes dimensiones en las que narra historias con ironía y cierta crueldad, con figuras grotescas, a menudo extraídas de cuentos de hadas. Entre otras, una pobre huérfana sujeta al abuso familiar, la desigualdad social, la crueldad del orfanato y el abuso de poder. Su vida es una lucha interminable por alcanzar la independencia  material y la felicidad.

En 1987, Paula Rego firma con la galería Marlborough Fine Art, que abre una puerta definitiva a la divulgación internacional. En 1990, la National Gallery la invita a ocupar un atelier en el museo. En 1994 comienza una serie de mujeres de fuerte simbología. Las representa solas, aunque aparentemente esclavizadas a algún compañero ausente o imaginario. Con la serie Huevos de luna hace una crítica satírica al representar hombres con comportamiento de gallina, mientras las mujeres supervisan todo el proceso de las tareas cotidianas.

A través de su pintura, Paula hace una crítica directa al referendo que en Portugal justificó continuar con la criminalización del aborto. En una serie de pinturas, Paula retrata a la mujer en situación de vulnerabilidad. Paula continúa exhibiendo su pintura en Portugal, aunque pasa la mayor parte del tiempo en Londres  

“Pinto para darle una cara al miedo” P.R.

12/12/1873 – 19/05/1941

En la primera mitad del siglo XX, fue una conocida poeta y defensora de los inmigrantes y de la clase trabajadora. Ridge fue considerada “la poeta del pueblo”, por haber sido una inmigrante que creció en circunstancias económicas adversas.

Lola Ridge nació en Dublín, Irlanda y se mudó a Nueva Zelandia y Australia con su madre donde pasó sus años de formación. Su madre volvió a casarse con un minero escocés violento cuando alcoholizado. Ridge relata cómo su padrastro destrozaba los muebles “durante sus furiosos ataques de borrachera”. En 1895, aún en Nueva Zelandia, Ridge se casó con el gerente de una mina de oro, del que se separó en 1907 y emigró a EE UU a los treinta y cuatro años. Finalmente se estableció en Nueva York. Ridge se ganaba la vida trabajando como modelo, ilustradora y como trabajadora en una fábrica. Asistía a reuniones políticas de la Asociación Ferrer, donde conoció a su segundo marido, David Lawson, con quien se casó en 1919.

Escribió cinco libros de poesía, fue editora de las revistas de vanguardia Others y Broom. De 1908 hasta 1937 publicó unos 60 poemas en revistas como Poetry, New Republic, y The Saturday Review of Literature. Su primer libro, The Ghetto and Other Poems, fue bien recibido, y sus poemas aparecieron en varias antologías. The Publishers’ Weekly la llamó «una de las principales poetas de EE UU,» y el Wilson Library Bulletin la consideró «una de las poetas estadounidenses de la más completa sensibilidad». En 1918 fue considerada “el descubrimiento del año”.

Ridge rechazaba los conceptos de que la mujer no podía participar en la política, que se apoyaban en un determinismo biológico. También expuso cómo los roles de género construidos socialmente impedían el desarrollo de la mujer. En una trilogía de largos poemas Lola Ridge aboga por los inmigrantes al refutar los prejuicios y la xenofobia estadounidenses contra las víctimas del desarrollo industrial, inmigrantes del sudeste europeo, considerados racialmente y culturalmente inferiores.

Ridge también retrata la comunidad judía en Nueva York, pero evita los estereotipos étnicos que retratan al extranjero como un “intruso” en el mundo del grupo dominante, al mismo tiempo de que habla de los efectos del capitalismo, y los conflictos de género y generacionales.

También escribió Sun-up and Other Poems (1920), donde incluye reflexiones de su niñez y Red Flag (1927) un libro de poesía política y personal. Como activista, Ridge fue detenida por protestar con la ejecución de los anarquistas Sacco and Vanzetti en 1927. A pesar de sufrir de mala salud, continuo escribiendo y en sus trabajos posteriores, Firehead (1929) y Dance of Fire (1935), Ridge trató temas más filosóficos.  In Firehead explora las paradojas del poder y cómo éste puede ser responsable del desequilibrio.

Ridge dejó una obra considerable. Varios críticos elogiaron su obra al considerarla una poeta importante en la historia de la poesía estadounidense. Su obra muestra que las mujeres poetas participaron activamente para moldear la sociedad, a pesar del silencio subsiguiente sobre su valía como mujer, poeta y activista.

…Las jóvenes pasan en grupos,
convergen en los foros y los vestíbulos,
para elevarse indomables, lentas
entre la maleza burda del calor.
Sus cabezas descubiertas ante las estrellas,
mientras responden a los jóvenes y a sí mismas
con libre camaradería.
Sólo sus ojos son antiguos y están solos… L.R.

Los hombres mueren…
Los sueños sólo alteran sus casas. L.R.

      1950 –

Autora marroquí, defensora de los derechos de la mujer y pionera entre sus contemporáneos por escribir en árabe. La primera autora marroquí traducida al inglés. La primera escritora que trata abiertamente el tema del divorcio islámico (talaq) como instrumento para la marginación de la mujer. 

Luego de estudiar Lengua y Literatura inglesa en la universidad de Mohamed V en Rabat, estudió periodismo en Londres y comenzó su carrera periodística en la radio y la televisión. También trabajó como asistente de prensa en varios ministerios de gobierno y en la oficina del primer ministro. Trabajó para la BBC y fue miembro del World Press Institute en St. Paul, Minnesota pero en 1992 dejó el periodismo para dedicarse a la literatura. Además de poesía, artículos, cuentos y traducciones, Leila publicó tres novelas.

En su primera novela, El año del elefante (1984) trata temas como la lucha contra la pobreza, los conflictos interfamiliares, y el divorcio, desde una nueva perspectiva femenina. En su narrativa explora el conflicto entre la cultura tradicional y moderna, la apreciación de la mujer en la sociedad marroquí, y el significado de la independencia tanto a nivel nacional como individual. En Regreso a la infancia (1993) Abouzeid narra su viaje personal y la lucha familiar durante los conflictos de la independencia marroquí. El libro revela las contradicciones y ambigüedades durante el conflicto, donde las mujeres tuvieron un papel fundamental en la resistencia militar. Una vez terminada la lucha, se esperaba que la mujer volviera a las limitaciones de su papel en la sociedad. El último capítulo (2003) es una historia semiautobiográfica para la reflexión sobre una joven marroquí y su conflicto por encontrar su identidad en Marruecos durante la segunda mitad del siglo XX. También habla sobre la lucha de los sexos en forma de denuncia, al igual que el enfrentamiento entre la sociedad marroquí tradicional y la moderna, los valores islámicos y occidentales.

La autora traspone los límites culturales y nacionales para ofrecer una narrativa significativa tanto para los lectores de Occidente como de Medio Oriente. En sus historias reflexiona sobre las relaciones entre padres e hijos, entre marido y mujer y entre ciudadanos en Marruecos independiente con un nuevo gobierno.Abouzeid muestra cómo los cambios que vienen aparejados con la nueva independencia de Marruecos afectan a los individuos.

A pesar de las fuertes motivaciones para escribir, no ha sido sin dificultades que Leila ha podido publicar sus obras. Su estilo escueto que incorpora elementos de la narrativa árabe y las técnicas de la tradición oral, la convierten en una pionera en la literatura del norte de África.

        30/08/1958 – 07/10/2006

Periodista y activista de derechos humanos de reconocimiento internacional por su valiente trabajo en Chechenia para denunciar abusos a los derechos humanos. 

“Anna Politkovskaya definió la consciencia humana. Su incesante búsqueda de la verdad, a pesar del peligro, le asegura un lugar de distinción como periodista y ser humano.” Christiane Amanpour. 

Anna Politkovskaya nació en Nueva York, donde sus padres trabajaban en las Naciones Unidas como diplomáticos. Se crió en un ambiente bilingüe y en 1970 estudió periodismo y literatura en la Universidad de Moscú donde se graduó en 1980. Anna comenzó su carrera periodística en el diario soviético Izvestia, y luego trabajó como corresponsal para la línea aérea rusa Aeroflot. Así viajó por todo el territorio soviético. Durante la perestroika y luego del colapso de la Unión Soviética, trabajó para el diario Obshchaya Gazeta y Novaya Gazeta, uno de los pocos diarios rusos con una línea crítica del Kremlin.

Politkovskaya se hizo conocer por sus artículos desde Chechenia, donde varios periodistas y trabajadores humanitarios fueron secuestrados o asesinados. Allí, fue arrestada y sometida a una ejecución simulada por las fuerzas del ejército ruso.
Escribió el premiado Viaje al infierno: un diario chechenio, una serie de artículos en ruso (2001). También escribió dos libros en inglés: Una guerra sucia (2003) y La Rusia de Putin (2004). En 2007 se publicó Diario ruso. 

Anna cubrió una variedad de temas como los abusos a los derechos humanos, la brutalidad del ejército, los horrores de la guerra, las fallas del sistema judicial, los problemas en el sur de Rusia y el Cáucaso, y especialmente el conflicto en Chechenia y la democracia problemática en Rusia. 

Anna Politkovskaya ganó varios premios por sus artículos y libros, que incluyen el prestigioso Prize for Freedom and Future of the Media (2005), y el Olof Palme Prize (2004), el premio OSCE (2003), Golden Pen de Rusia (2000), y el Golden Gong (2000). También recibió un premio por ayudar a las madres de los soldados rusos muertos, investigando sus casos y representándolos ante la justicia.
Tuvo que posponer el recibimiento del premio al Coraje en el periodismo (2002) en Los Ángeles, por haber sido llamada de emergencia de Moscú, donde habían tomado rehenes en un teatro, y donde tuvo el coraje de entrar en medio del conflicto para intentar una negociación. En el curso de su carrera periodística, Politkovskaya, dio testimonio en varios importantes juicios penales en Rusia, como la muerte injustificada de civiles en Chechenia, o casos de ataques terroristas en Moscú. Tuvo el coraje de revelar verdades inconvenientes, a partir de su conocimiento extenso del delito y el terrorismo en Rusia.

Politkovskaya sobrevivió tres intentos de asesinato, incluido el envenenamiento severo en 2004 durante el vuelo a Chechenia. En los dos últimos años tuvo que limitar sus viajes, aunque continuó investigando para encontrar la verdad. Fue crítica acérrima de las políticas del Kremlin y los errores de Putin.

Finalmente, Politkovskaya fue asesinada con varios tiros el día del cumpleaños de Putin en un elevador del edificio de departamentos donde vivía en Moscú. El diario Novaya Gazeta ofreció una recompensa de 900 mil dólares por información que conduzca al encarcelamiento del asesino. Anna, que siempre será considerada el arquetipo del periodismo independiente, recibió varios premios póstumos.

«Las ruinas de la ciudad son como una nueva cadena de montañas. La hambruna como en África. Los niños horriblemente flacos… Las calles llenas de ojos muertos. Gente que ha enloquecido o se está volviendo loca. Calles repletas de armas, minas, explosiones permanentes. Desesperación.” A.P. (“El infierno”, (2000), artículo que describe las ruinas en la capital Chechena, Grozny)

             03/09/1938 –  

Dramaturga inglesa, Caryl Churchill viene combinando el compromiso social y la experimentación teatral hace más de treinta años. Principalmente, pone en escena los deseos de los oprimidos, a menudo, la mujer. Cloud Nine se burla del colonialismo y la represión social, en una farsa que usa el travestismo y el cambio racial del elenco para expresar sus contenidos.
En Vinegar Tom la revisión feminista de Churchill enfatiza cómo las llamadas brujas eran castigadas precisamente por ser mujeres: mujeres al margen de la sociedad,  pobres, solteras, sexualmente no convencionales. 

Nacida en Londres, Caryl Churchill se crió en Inglaterra y Canadá. De niña ya escribía cuentos y poesía para leerlos a la familia. Perteneció a una generación que se crió oyendo la radio, que más tarde molderaría su estilo teatral.
En 1960, se licenció en Letras en la Universidad de Oxford, donde escribió tres obras de teatro: Downstairs, You’ve No Need to be Frightened, y Having a Wonderful Time. En 1961, Churchill se casó con un abogado de Oxford, David Harter, con quien tiene tres hijos. Luego de graduarse, comenzó a escribir obras para la radio de la BBC; entre otras The Ants (1962), Not, Not, Not, Not Enough Oxygen (1971), y Schreber’s Nervous Illness (1972). Este género influenció el desarrollo de cierta economía en su estilo, que pronto le sería muy útil en sus obras de teatro para liberarla de las limitaciones del escenario. Así nació su estilo de escenas muy cortas o de dar grandes saltos en tiempo y espacio. 

En 1974, Churchill entró al Royal Court Theatre como dramaturga residente por un año.
Durante los años 70 y 80 colaboró principalmente con dos compañías de teatro feministas, Joint Stock y Monstrous Regiment, ambas dedicadas al desarrollo de nuevas obras a través de talleres extensos. Este método de trabajo tuvo un profundo impacto en el trabajo de Churchill, según ella misma diría: “Fue una nueva manera de trabajar… Me estimuló el descubrimiento de ideas compartidas y la increíble energía con las que se abrían infinitas posibilidades.” En su trabajo conjunto con Joint Stock y Monstrous Regiment, Churchill escribió una serie de obras de gran éxito como Light Shining on Buckinghamshire (1976), Vinegar Tom (1976), Cloud Nine (1979), y A Mouthful of Birds (1986).
Aunque luego continuo trabajando sola, Churchill no dejó de utilizar talleres de improvisación para el desarrollo de algunas de sus obras. Mad Forest: A Play from Romania (1990) fue escrita a su regreso de Rumania con un grupo de estudiantes de teatro con los que fue a investigar los hechos en torno a la caída de Ceausescu. Como resultado de este proceso, nació una obra que reveló el daño espantoso causado al pueblo rumano por años de represión y dificultades económicas. 

También escribió obras para televisión como The After Dinner Joke y Crimes. Far Away se estrenó en el teatro Royal Court en 2000. Publicó una nueva traducción de Thyestes (2001) de Seneca, y A Number (2002),  que trata sobre el tema de la clonación humana. Su nueva versión de A Dream Play (2005) de Strindberg, se estrenó en el National Theatre en 2005. Su última obra, Drunk Enough to say I Love You? (2006), se estrenó en el Royal Court Theatre en 2006.
Las obras de Churchill parecen usar cada vez menos el realismo. En The Skriker (1994), utiliza una lógica de asociación de sueños, como exploración visionaria de la vida urbana moderna.
Churchill ha recibido tres veces el premio de teatro Obie, y el premio Society of West End Theatre (1988).

Caryl Churchill vive en Londres y continua expresando, a través de sus obras, sus ideas y su preocupación por un mundo cada vez más lastimado por la marcha implacable del capitalismo global.

   
 14/04/1922 – 10/05/1995 

Cineasta feminista de renombre internacional y primerísima figura del cine argentino, también de gran relevancia en el teatro, siendo fundadora y productora del Teatro del Globo en Argentina. A pesar de haber sido educada bajo un régimen estricto, sumamente religioso y en años en los que la mujer no tenía posibilidades de desarrollo reales, su espíritu revolucionario excedió el prototipo de mujer de la época. Su disciplina y su gran interés por la lectura hicieron de María Luisa una verdadera autodidacta. 

María Luisa Bemberg nació en Buenos Aires en una de las familias más ricas y poderosas del país, entre otras cosas propietarios de la Cervecería Quilmes y opositores declarados contra Juan Domingo Perón.Se casó a los 20 años y a los 30 ya estaba divorciada con cuatro hijos. En 1949 comenzó a trabajar como empresaria de espectáculos teatrales y fundó el Teatro del Globo con Catalina Wolff. 

Fue feminista activa. Además de ser una de las fundadoras de la Unión Feminista Argentina, María Luisa fue una de las co-fundadoras del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, organizado por mujeres artistas y creadoras. Su cine está profundamente vinculado a la problemática de la mujer. Sus relatos se desarrollan en forma de fábulas, tragedias o parodias, con gran sensibilidad y sentido crítico, ya sea basadas en su vida, la literatura argentina, o la historia.

Escribió la obra teatral La margarita es una flor, que usó como base para el guión de la película Crónica de una señora, (1970), de gran éxito de crítica y público. En 1975 escribió Triángulo de cuatro. En 1972 escribió produjo y dirigió su primer cortometraje El mundo de la mujer y en 1978 el segundo Juguetes. Cuando el gobierno quiso censurar su trabajo decidió ir a estudiar a la academia de actores de Lee Strasberg en Nueva York.
Además de haber sufrido la censura militar, María Luisa se dio cuenta de que ningún hombre se interesaría por la conciencia femenina de la manera y con la profundidad en que ella quería abordarla, y alrededor del año 1980 comenzó su propia empresa de producción junto con Lila Stantic con el nombre de GEA Cinematográfica. También fue muy conciente de que si ella misma no se costeaba sus propios proyectos, nunca podría hacer cine. Con GEA negoció su primera co-producción con España. Escribió varios guiones para largometrajes que llevó al cine, entre ellos Señora de nadie (1982). Con la colaboración de Marcelo Pichón Riviere, escribió el guión de Momentos en 1981. En 1983, escribió y dirigió Camila, basado en la trágica vida de Camila O’ Gorman, en colaboración con Beda D’Ocampo Feijoo y Juan B. Stragnaro. Esta película, producida en 1984, le trajo gran reconocimiento internacional y convirtió a María Luisa en una de las primeras cineastas latinoamericanas de gran éxito. Camila fue nominada al Oscar como mejor film extranjero en 1985.

En 1986 escribió Miss Mary con la colaboración de Jorge Goldenberg: tal vez su historia más íntima que relata algunos aspectos de su vida, su niñez y adolescencia así como la clase social a la que perteneció. En 1990 escribió, junto a Jorge Goldenberg y Antonio Larreta, Yo, la peor de todas, basada en el libro de Octavio Paz sobre la vida de Sor Juana Inés de la Cruz. Dentro de la temática de género que trabajó María Luisa, tanto Camila como Yo la peor de todas fueron inspiradas por biografías de mujeres excepcionales. María Luisa dijo: “Camila pierde su vida como Sor Juana pierde su espíritu, no la queman, pero le queman las alas”.

En 1992 escribió junto a Jorge Goldenberg De eso no se habla basado en el cuento homónimo de Julio Llinás. En 1995 colaboró como intérprete en la película La balada de Donna Helena , dirigida por Fito Paéz . El último guión escrito por María Luisa Bemberg “Un extraño verano” basado en el cuento “El Impostor” de Silvina Ocampo lo comenzó alrededor del año 1994, antes de que se diagnosticara su enfermedad. Al morir “Un extraño verano” pasó a manos del equipo de trabajo que colaboró con la directora, entre los que se destaca Alejandro Maci y Jorge Goldenberg. Filmado en 1997 con el título El impostor y dirigido por Alejandro Maci, obtuvo el Segundo Premio Coral a mejor  película del año, el Premio Coral de Fotografía y el Premio Coral de Dirección artística del Festival de Cine de La Habana.

Como figura inspiradora para toda una generación de cineastas, además del movimiento feminista Argentino, años más tarde se le preguntó cómo se definía y respondió: “Como una persona que viene de un largo camino, muy arduo y muy solitario.” A partir de su muerte en 1995, las películas de María Luisa Bemberg continúan siendo estudiadas por académicos y críticos de cine, así como estudiosos de los temas de género. También sus películas se siguen presentando en innumerables festivales y retrospectivas. Su trabajo continúa inspirando monografías, estudios para maestrías y doctorados.

“Hice una introspección acerca de la manera en que yo podía,
de alguna manera, intentar modificar la conciencia colectiva de mi país.”
M.L. Bemberg 

«Desde mi infancia, sentí una gran frustración, por los dobles valores que se aplicaban a mí y a mis hermanos. Sentía una gran rebeldía y se manifestó especialmente luego de leer El Segundo Sexo de Simon de Beauvoir, que fue como una explosión en la mente de la mayoría de las mujeres de mi generación. Nunca podré expresar mi agradecimiento a ese libro. Fue como un presa que se abrió”. M.L. Bemberg 

“Hace años llevo una libreta donde apunto las cosas que los hombres han dicho de las mujeres. Es terrible, desde el Génesis a Ernesto Sábato, de Ortega y Gasset a Henry Miller…” M.L. Bemberg 

«De niña no iba al cine. Sólo se me permitía ir una o dos veces al año. Tuve una infancia horrible, donde todo lo que importaba eran mis modales. Tuve poco afecto y un padre muy poderoso que leía las noticias de la bolsa y me hablaba a través de una institutriz. Mi madre era la típica matrona argentina de origen español, muy educada pero sola. Cuando me volví cineasta, traté de vengarla y evitar ser como ella”. M.L. Bemberg

   02/11/1890 – 05/08/1964  

Novelista sueca autodidacta. Fue una de las primeras en escribir sobre la lucha del trabajador agrícola sin tierras conocido en Suecia como statare. Vivió la mitad de su vida en la miseria. Sin embargo, escribió sobre la vida de los trabajadores con afecto y sentido del humor. 

Nacida Helga Maria Swartz en Vårdnäs, hija de una trabajadora de fábrica soltera. Cuando Moa tenía seis años, su madre se casó con un trabajador rural que pasaba largo tiempo desempleado y se hacía escapadas para beber con prostitutas. Su madre trabajaba como limpiadora. En su novela Mamá se casa (1936) Martinson escribió que su madre era su mejor amiga.

Luego de terminar la escuela primaria, Moa se fue de casa a los trece años y trabajó entre otras cosas como encargada de buffet frío. En 1910 se casó con un trabajador del cemento con quien tuvo cinco hijos. Tuvo un matrimonio infeliz con un marido que bebía y le pegaba. Dos de sus hijos se ahogaron en 1925 y unos años más tarde su marido se suicidó. En 1929 se casó con un joven marino y novelista debutante, Harry Martinson, quince años menor que ella. En 1974 Harry ganó el premio Nobel de literatura junto con Eyvind Johnson.

En los años 20, Moa se involucró activamente en el movimiento socialista, hablando en público y exigiendo mejoras en los salarios y las condiciones de vida para los trabajadores rurales y de las fábricas. Leyó a autores como Dostoyevsky, Zola, Gorky, y especialmente especially Martin Andersen-Nexø.

En 1934 participó en el primer congreso de escritores soviéticos cuyo presidente elegido fue Gorky. Allí se formuló la nueva doctrina literaria conocida como Realismo Socialista. Harry, que se había separado de ella por un tiempo, volvió con ella pero en 1935 volvió a dejarla. Esta vez, Moa anunció su búsqueda por radio, por lo que todos en Suecia supieron de sus problemas maritales. Finalmente se divorciaron en 1940.

Su primera historia, Pigmamma, apareció en capítulos en 1927 y en 1933 hizo su debut como novelista, a la edad de 43 años con Mujeres y manzanos. Hablaba de la fuerza y la solidaridad de varias generaciones de mujeres trabajadoras en su lucha contra la pobreza y el abuso de los hombres, muchas veces alcohólicos.
Su obra de mayor éxito es la trilogía autobiográfica Mamá se casa (1936) Boda en la iglesia (1938) y Las rosas del rey (1938). En 1949 se hizo una reimpresión de 90.000 ejemplares de bolsillo de Boda en la iglesia. La protagonista se cría en un conventillo y a los quince años decide nunca casarse.

En la década del 40 Martinson publicó varios libros basados en su propia experiencia. Sus últimos libros hablan de personajes del proletariado de los siglos XVIII y XIX. Den Osynlige Älskaren (1943) trata sobre una mujer que sueña con un hombre ideal, mientras que su vida diaria está ensombrecida por el maltrato de un marido brutal. Sin embargo, consigue sacar a su familia de la pobreza.

Moa Martinson fue un ejemplo para las escritoras en los países nórdicos incluso en los años 70. También tocó el tema de la sexualidad femenina con increíble coraje. Otro tema central fue la amistad entre mujeres. Martinson murió en Södertälje. En 1986 se hizo una película basada en su vida llamada Moa, dirigida por Anders Birkeland.

«Era una granja muy grande de tierra mala. El suelo era duro, no como una anciana o un caballo azotado. El suelo que allí yacía, cubierto de musgo, fangoso y apelmazado, sólo fastidiaba. Una tierra que sólo se extendía para las raíces de abedul y los páramos inútiles, y de forma obstinada se resistía al arado, a la horquilla y el azadón, como una mujer en la cama que odia a su hombre.” Moa Martinson 

      09/05/1832 – 05/03/1906 

Periodista y educadora, Jessie “el huracán”, fue la primera mujer periodista en Inglaterra y la primera mujer que intentó inscribirse en la facultad de medicina. 

Nació en Hampshire, Inglaterra. Hija de un constructor de barcos de la Isla de Wight, un hombre religioso extremamente estricto y al mismo tiempo no conformista en lo que se refiere a la educación. A diferencia de la mayoría de las joven de clase media en la Inglaterra victoriana, Jessie recibió una educación excelente, lo que la llevó a estudiar filosofía en la Sorbonne de París. Allí conoció y tuvo amistad con Emma Roberts, quien tenía una relación con Garibaldi, y terminó conociéndolo en Niza. Jessie había oído hablar de las atrocidades de las dictaduras en varias partes de la península italiana. Su encuentro con Garibaldi la estimuló a dedicarse a la unificación de Italia.

Se convirtió en propagandista de la causa italiana y trabajó con Giuseppe Mazzini. Escribió artículos en los diarios sobre la situación en Italia, dio conferencias y levantó fondos para la causa italiana en el norte de Inglaterra y Escocia.

Al regresar a Londres en 1855, Jessie se presentó para ingresar en la facultad de medicina. Se cree que fue la primera mujer que hizo la solicitud en Inglaterra. Todos sus intentos fueron rechazados debido a su género.

Cuando Mazzini fue a Génova en 1857, Jessie lo acompañó. Su llegada fue anunciada en el diario Italia del Popolo, que había venido publicando reseñas sobre sus conferencias. La recibieron con grandes honores. Jessie viajó por toda la región para distraer la atención de Mazzini, que llegó de forma clandestina para liberar a patriotas de una prisión cerca de Nápoles. La operación fracasó, pero Mazzini consiguió escapar de la policía y regresó a Londres.
Jessie y su novio, Alberto Mario, fueron capturados y encarcelados en Génova, Jessie durante cuatro meses. Se casaron en diciembre de 1857 en la casa familiar de Inglaterra. 

Jessie continuó con sus conferencias en Inglaterra y Escocia. En 1858 Jessie y Alberto fueron a Nueva York para recaudar fondos para la causa. En 1860 pasaron de Suiza a Génova para formar parte de la segunda ola de voluntarios que se unirían a Garibaldi en Sicilia para la lucha por la liberación del sur de Italia. Jessie se ocupó de curar a los heridos, que involucraba amputaciones sin anestesia.

Cuando se completó la unificación de Italia en 1870, los temas sociales no tuvieron prioridad. Por el contrario, el nuevo gobierno no reconocía la existencia de problemas sociales. Así fue que Jessie comenzó a trabajar en tres proyectos de investigación para alertar al gobierno de que debía tomar medidas para la resolución de estos problemas.
El primer trabajo de investigación fue sobre los efectos y las posibles soluciones para el pelagra, la enfermedad de las tres des: dermatitis, diarrea y demencia, causadas por falta de proteína y vitamina B3. Su investigación duró diez años y sus descubrimientos mostraron, por ejemplo, que la simple medida de tomar dos vasos de vino tinto a la semana reducía los efectos de la enfermedad.

El segundo trabajo fue en torno a las condiciones de vida de los pobres en Nápoles, que el gobierno consideraba una ciudad próspera. Jessie descubrió que un número increíble de personas vivía en espacios subterráneos debajo de la ciudad, sin sanidad, con apenas una cortina como división entre una familia y la otra. Los ciudadanos de Nápoles ignoraban esta realidad, a no ser por los dueños de estos espacios, que cobraban rentas exorbitantes. Su informe La miseria di Napoli fue publicado en 1877. 

El tercero se refería a las condiciones de trabajo en las minas de sulfuro sicilianas. Era preocupante el tema del trabajo de menores y la salud general de los mineros. Jessie hizo innumerables visitas a las minas tanto en la superficie como bajo tierra y publicó su informe Le miniere di Zolfo in Sicilia en 1894.

Jessie se ganaba la vida escribiendo. Su carrera como periodista comenzó en Inglaterra. También escribió para la prensa de EE UU e Italia, donde fue la primera periodista que investigó la realidad italiana. Escribió las biografías de Garibaldi y Mazzini, pero también se aseguró de que los héroes menos conocidos del Resurgimiento no fueran olvidados.

Jessie murió en Florencia. Se realizó una ceremonia no religiosa en su departamento, seguida de una procesión por las calles de Florencia. Sus cenizas están enterradas en el sur de Venecia, junto a las de Alberto.

Carducci, el premio Nobel de literatura de 1906 dijo: Jessie White Mario “es una gran mujer a quien todos los italianos le debemos mucho.” 

Otro rostro impresionante que incluyo por pura inspiración… el domingo en la Tate Modern, una retrospectiva de su obra que finalmente coloca a esta escultora sobre una plataforma a su altura.

     24/12/1911 –  31/05/2010

Louise Bourgeois es una de las escultoras más respetadas en el mundo de hoy. En su larga carrera, aunque abarcó la mayoría de los movimientos del arte de vanguardia del siglo XX, desde el arte abstracto al realismo, Louise ha conservado su originalidad y su poderosa inventiva. 

Bourgeois explora varios temas recurrentes en su obra: la feminidad, la sexualidad y el aislamiento. Con más de 90 años continúa desafiando las convenciones. El arte de Louise Bourgeois “nace del duelo entre el individuo aislado y la conciencia compartida del grupo”. 

Louise Bourgeois nació en París. Sus padres tenían un negocio de restauración de tapicería. A los 12 años, Louise ayudaba en el trabajo dibujando los segmentos que faltaban para su tejido posterior. A los 15 años estudió matemáticas en la Sorbonne. Sus estudios de geometría contribuyeron a sus primeros dibujos cubistas. Comenzó a pintar y estudió en la École du Louvre y luego en la École des Beaux-Arts y trabajó como asistente de Fernand Léger.

Algunos hechos de su infancia marcaron a Louise Bourgeois profundamente. Su padre solía burlarse de ella. Los sentimientos de irritación y frustración por no poder reaccionar se sumaron al sentimiento de traición cuando Louise descubrió que su padre tenía un amorío con su gobernanta, que vivió en su casa durante 10 años. Para Louise fue una doble traición. No tenía cómo escapar del entorno familiar. Sentía que su familia estaba unida en el espacio familiar, pero que cada uno estaba aislado en su propio mundo. No existía la comunicación. El mundo familiar era un mundo frágil y solitario. “Yo pensé que ella me quería, pero estaba allí para acostarse con mi padre.” 

A los 26 años conoció a Robert Goldwater un profesor estadounidense de historia del arte de treinta y dos años.  Se casaron y en 1938 se mudaron a Nueva York. Louise pasó años leyendo sobre arte en la biblioteca. Participó en exposiciones como Las artes en la terapia (1943), que promovía el arte como un método de rehabilitación para los heridos de guerra.

El tema central de sus obras son las relaciones y su entorno, que Louise extrae de su infancia: su padre tiránico y adúltero, su madre que no quiso darse por enterada. Bourgeois expresa sentimientos de rabia, traición y celos de una manera burlona y punzante al mismo tiempo.

Su primera exposición en 1947 consistió de figuras en madera que representaban la familia y las relaciones. Louise juntaba madera de desecho que trabajaba para obtener figuras rígidas enhiestas. Figuras que expresaban el aislamiento, cada una con su personalidad, cruda y expuesta. En conjunto, creaban un círculo social que representaba la interacción y daba firmeza al sistema geométrico, cerrado y definitivo. Para Louise, representaba su preservación emocional. Aunque esta muestra tuvo gran éxito y el Museo de Arte Moderno compró varias obras, Bourgeois luego fue ignorada por el mercado del arte durante los años 50 y 60, a pesar de formar parte del Grupo de artistas abstractos estadounidenses como Newman, Reinhardt y también tener amistad con Kooning, Rothko y Pollock.  Fue en los años 70, luego de la muerte de su marido y de su padre, que se convirtió en una de las artistas plásticas vivas más exitosas. 

En su trayectoria de setenta años, Bourgeois ha explorado temas como la angustia, el miedo, la vulnerabilidad,  y la pérdida de control. Trabajando el bronce, el yeso, el mármol, cambió de formas rígidas y enhiestas a estructuras suaves y orgánicas.
A través de su arte, Louise ha documentado su experiencia de vida, mostrando las marcas de la lucha interna.

Louise vivía en Nueva York y trabajaba en su estudio de Brooklyn de donde casi no salía por sufrir de agorafobia. En cambio, Louise recibía a artistas y escritores todos los domingos en su casa y discutía sus obras de la misma manera directa y punzante de siempre. Louise murió a los 98 años debido a un paro cardíaco.

«Mis primeros trabajos hablan del miedo de caer. Luego se convirtió en el arte de caer. Cómo caer sin hacerte daño. Luego fue el arte de permanecer.” L.B.

No está entre las fotos de mis 200 rostros… La incluyo por haber visto una de sus obras en la casa Sudley, de Liverpool este fin de semana.

          16/03/1822- 25/05/1899

En una época de marcado conservadurismo para la mujer, Rosa Bonheur se ganó la vida como artista plástica, obtuvo premios y fama, fumó en público, usó overoles y ropa de hombre (para lo que tuvo que obtener un permiso).
Su inconformismo directo fue escandaloso en París del siglo XIX, pero al haber logrado renombre e independencia financiera, forzó a muchos a reconsiderar el “papel” de la mujer como artista plástica, para quien consiguió mayor respeto.

Marie-Rosalie Bonheur nació en Bordeaux. Su padre Oscar-Raymond Bonheur era pintor académico, amigo de Francisco Goya, y le enseñó a Rosa los fundamentos de la pintura, al igual que a sus otros tres hijos, quienes también se dedicaron al arte. Su madre, que falleció cuando Rosa tenía once años, era profesora de música. La familia tenía un pequeño corral con diversos animales en su casa semi-rural en las afueras de París. Rosa tuvo la suerte de haber nacido en un hogar bastante excéntrico para la época. Su padre, como ardiente defensor del pensamiento independiente, tuvo gran influencia tanto en su vida social como artística. De él luego Rosa diría:
“A sus doctrinas le debo mi gran y gloriosa ambición para el género al que pertenezco con orgullo y cuya independencia defenderé hasta que muera.” 

Con la exposición de su óleo “La feria de caballos” en 1853, Rosa se afirmó entre los más grandes pintores de animales del siglo XIX y fue la artista plástica más renombrada de su generación. Bonheur se destacó entre otros artistas de varias maneras. En esa época era inusual que una mujer se dedicara al arte. Pero su talento excepcional, su gran determinación y el apoyo de su familia fueron fundamentales para su realización y el éxito que alcanzó. 

Desde joven, a Bonheur le interesó el estudio de la forma animal en su pueblo natal. Durante estos años y el resto de su carrera, Rosa se vestía como hombre para ocultar su género y obtener acceso a las esferas tradicionalmente masculinas. Con el tiempo, Bonheur perfeccionó su técnica estudiando y copiando pinturas en el Louvre a los catorce años. Más tarde en su carrera, visitaba ferias de caballos y mataderos. También participaba en disecciones para conocer en mayor profundidad la anatomía animal. Su increíble minuciosidad con la forma la convirtieron en la favorita de las escuelas de arte Realista y Naturalista. Para cada obra Rosa realizaba varios bosquejos y estudios con un enfoque clásico y meticuloso.

Su obra apareció por primera vez en el Salón de París en 1841. En 1843 exhibió allí tres obras en óleo por las que recibió una medalla como tercer premio. En 1848 expuso tres esculturas con las que ganó una medalla como primer premio. A partir de allí,  continuó exponiendo su óleos y ganando honores y adquiriendo fama internacional.  Fue la primera mujer que recibió la Gran Cruz de la Legión de Honor francesa.
La esposa del emperador Napoleón III, la emperatriz Eugenia, le confirió este honor en persona. La emperatriz lo hizo para mostrar, en sus propias palabras que «el genio no tiene sexo.»

Rosa no demoró en apartarse del candelero. Compró una propiedad cerca del bosque de Fontainebleau, donde se estableció con su compañera de toda la vida, Nathalie Micas. Al morir ésta, continuó viviendo allí, con la pintora estadounidense Anna Klumpke y su colección de animales. 

Su obra se encuentra en los siguientes museos: en Francia el Museo del Louvre, París; Museo d´Orsay, París; Museo Condé, Chantilly; Museo Nacional du Château, Fontainebleau; Museo de Bellas Artes, Bordeaux. En Canadá, el Museo de Arte Crocker, Sacramento; en EE UU el Museo del Instituto de las Artes de Detroit, el Museo Young, en San Francisco; el Metropolitan Museum de Nueva York. En el Reino Unido, la National Gallery de Londres y muchos otros.                

            20/12/1893 – 03/02/1974

 La contribución de Charlotte Malachowski Buhler al campo de la psicología fue inmensa, sobretodo en las áreas del desarrollo de la vida útil y la psicología humanista. También contribuyó de manera profunda en la educación y los estudios de la familia, la psicología infantil, los tests psicológicos, la psicología clínica, la psicoterapia, y los valores y objetivos de vida, entre otras áreas.

No fue sólo teórica e investigadora, sino que practicó la terapia humanista. Completó su doctorado en la Universidad de Munich y a través de su trabajo obtuvo reconocimiento internacional. Su trabajo se publicó en 16 idiomas.

«Charlotte Buhler tenía un carácter dominante y a la vez era humilde y amable. Era una mujer dura y al mismo tiempo creativa y generosa. O sea, era un ser humano de una personalidad rica. Era una mujer llena de coraje, siempre activa y participante. Por lo menos tenía cuatro proyectos importantes al mismo tiempo. Siempre tuvo una profunda influencia entre los que trabajaban con ella » (Bugental, 1975/76).

 Charlotte Malachowski nació en Berlín, primogénita de Walter y Rose Malachowski. Su padre era arquitecto y su madre un músico de éxito. Sus padres apoyaron su interés por los estudios académicos. Desde joven Charlotte se cuestionó la existencia de Dios y el significado de la existencia. Consideró que la psicología podía darle alguna de estas respuestas.

Era una joven precoz. Aun en la secundaria, realizó un estudio original de Los procesos del pensamiento humano. A partir de allí, estudió psicología en las universidades de Friburgo, Kiel, Berlín y Munich, y supo de un tal Dr. Karl Buhler, cuyo trabajo sobre el pensamiento humano parecía ser similar al suyo. Estaba ansiosa por conocerlo, cuando el consejero de la Universidad de Munich murió repentinamente y el Dr. Buhler fue contratado para supervisar a sus estudiantes, entre los que se encontraba Charlotte. Karl Buhler y Charlotte Malachowski se casaron en 1916 cuando Charlotte tenía 23 años. Dos años más tarde, sólo un año después de tener a su primer hijo, Charlotte obtuvo su doctorado en psicología de la Universidad de Munich en 1918. Un año más tarde, tuvieron el segundo hijo.

Entre 1920 y 1922, Charlotte trabajó para el gobierno prusiano y el departamento de educación en las escuelas, como asistente en un proyecto sobre adolescencia y dio conferencias en Dresden. En 1923, la familia se mudó a Viena con el nombramiento de Karl como Presidente de la Universidad de Viena. Charlotte fue nombrada profesora auxiliar y sólo 6 años más tarde, en 1929, recibió el cargo de profesora adjunta.

Durante las décadas del 20 y del 30, Charlotte y su marido estuvieron al frente de uno de los departamentos de psicología más importantes del mundo. Al mismo tiempo, Charlotte viajó para hacer cursos especializados y llevar un consultorio en varias partes de Europa y EE UU.

En Viena, entre 1923 y 1938, la investigación de Charlotte se focalizó en el desarrollo psicológico a través de la infancia y la adolescencia. Trabajó en un centro de adopción con capacidad para más de 2.500 niños para estudiar el comportamiento infantil, principalmente en la mujer. Para ello usó tests de inteligencia y desarrollo, interpretación de diarios y experimentó con juego libre, y se focalizó en el desarrollo cognitivo y de la personalidad.

Recibió una beca de diez años de la Fundación  Rockefeller para continuar su trabajo de investigación en el Instituto de Viena, junto a los recursos del gobierno de Viena. Pero al cabo del tiempo fue obvio para ella que su trabajo estaba restricto a un tipo de población. En 1934 con un nuevo gobierno totalitario en Austria, los recursos se limitaron y pronto la Fundación Rockefeller también habría de retirarle el apoyo económico. Los Buhler crearon un “grupo de amigos del Instituto de Psicología de Viena” y continuaron su trabajo, aunque en los años que siguieron la dictadura fascista se volvió cada vez más opresora. La policía de seguridad allanó el centro y encarceló a cuatro miembros del personal. En 1938, Karl fue arrestado y “despedido” por razones políticas. Poco después, Charlotte fue despedida por razones raciales. Uno de sus padres era judío. Los cursos de psicología fueron reemplazados por cursos como “Raza y carácter”.

Finalmente, Karl obtuvo un puesto en EE UU y al poco tiempo Charlotte también. Diez días luego de haber partido para Minnesota, las tropas nazis invadieron Noruega. Primero, tuvo un puesto de profesora de psicología en la facultad de St. Catherine en St. Paul, Minnesota. Luego se mudó a Massachussets, donde estableció y dirigió una clínica de supervisión infantil. En 1943 volvió a Minnesota y por dos años trabajó como psicóloga clínica en el Hospital General de Minneapolis.

Aunque los cinco primeros años en EE UU fueron activos y marcaron el comienzo de una larga carrera en psicología clínica, ella sentía que no era bien recibida en el mundo académico masculino y observaba que muchos se sentían amenazados por sus logros.

En 1945 se mudaron a California, donde Charlotte continuó trabajando como psicóloga clínica en el Hospital del Condado de Los Ángeles de 1945 a 1953. También trabajó como profesora auxiliar en psiquiatría en la Facultad de Medicina de la Universidad del Sur de California. En 1953, comenzó su consultorio privado en Los Ángeles, donde le dio forma más sólida a su psicología humanista gracias a sus conocimientos teórico y sus técnicas terapéuticas. Ya en esta época disfrutaba inmensamente de su vida profesional y sus colegas en EE UU. Aunque a menudo se dice que Abraham Maslow es el padre de la psicología humanista, una reseña del trabajo de Charlotte indica que sus ideas son anteriores. Como ella misma observa: “Las primeras investigaciones que realicé en el primer departamento de psicología experimental de la universidad son precursoras de la psicología humanista, con el interés puesto en lo personal como un todo.” Sus estudios muestran que el recién nacido tiene tendencias de adaptación, creatividad y coordinación, mucho antes de que la realidad y la sociedad lo fuerzan a utilizar estos elementos de su personalidad para la vida.

En 1965 y 1966, Charlotte fue presidenta de la Asociación Americana de Psicología Humanista. Su teoría sobre los objetivos en la vida pone énfasis en un objetivo final para la realización personal, de acuerdo con los talentos del individuo. La intención es el desarrollo personal para controlar la realidad. Charlotte Buhler enfatizó la diferencia entre la psicología humanista y la Freudiana: “Freud y Adler querián explicar la mente humana usando como punto de partida la enfermedad, mientras que nosotros partimos de la mente sana.”

Al final de su carrera, Charlotte observó lo que consideró la crisis de la cultura moderna occidental. Notó la abundancia de relaciones humanas falsas e hipócritas. Los abusos en la relaciones y la autoridad, los liderazgos inadecuados, la explotación, la falta de respeto y falta de oportunidades para con el individuo. “El individuo siente soledad y fracaso personal y en las relaciones.” Comentaba que sus clientes expresaban no saber lo que querían ni en qué creían. En su opinión, la psicología humanista ofrece una guía para que el individuo consiga definir lo que considera una vida saludable plena de sentido.

Luego de una larga y productiva carrera en EE UU, regresó a Alemania en 1972, al encontrarse enferma. Quiso pasar los últimos años de su vida con su hijo, Rolf. Murió en Stuttgart donde continuó escribiendo y publicando un año antes de morir, a los ochenta años.  

“La realización personal es la consecuencia de una vida constructiva y considerada, en que incluso la adversidad y el uso creativo del potencial personal, lleva al individuo a desarrollarse de manera responsable.” Charlotte Buhler

“De joven, la pregunta que más me interesaba responder era “¿De qué se trata la vida”? Pensé que la psicología me daría la respuesta. Mi profesora de psicología me dijo una vez: “Lo que crees que es la psicología, no lo es. No te revelará nada sobre la vida. Sólo te dará información sobre las reacciones sensoriales y el aprendizaje.” Me desilusionó mucho. Pero pensé. “No lo creo así. Yo la convertiré en un estudio sobre la vida. A través de la psicología debemos descubrir cómo vivir la vida y para qué vivimos y cómo relacionarnos con los demás.” Charlotte Buhler, 1973.  

       
   17/03/1920 – 15/08/1999

Poetisa y cuentista argentina.“Esta voz se vuelve, hoy por hoy, más que nunca preciosa y necesaria: en tiempos de trivialidad y miseria como los que nos rodean, un alivio y una catarsis deslumbrante emergiendo de la basura cultural que tantas veces nos sofoca», escribió Ivonne Bordelois, en el diario La Nación, Buenos Aires,
el 15 de Julio de 1998. 

Nació en Toay, La Pampa, Olga Noemí Gugliotta, que más tarde adoptó el apellido de su madre Orozco.  Pasó su infancia en Bahía Blanca hasta los 16 años, cuando se trasladó con sus padres a Buenos Aires.  En 1937 se graduó como maestra aunque nunca ejerció.  En 1938 comenzó la carrera de letras en la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA, que abandonó tres años más tarde. Un año antes ya era parte del grupo que colaboraba para Canto, una de las revistas de la Generación del 40, junto a Enrique Molina y Alejandra Pizarnik.  También tuvo amistad con Alberto Girri y Norah Lange. 

Olga comenzó a escribir antes de saber escribir. Le pedía a su madre que le anotara frases o palabras.  Cumplidos los quince años, su madre se las dio a leer.  Inició su carrera literaria muy joven, como una de las integrantes del grupo literario surrealista Tercera Vanguardia, al que también pertenecía Oliverio Girondo.
La influencia de los relatos contados por su abuela María Laureana la llevan a desarrollar una poética donde la infancia es una puerta iniciática. Su vínculo con el tarot la inspira a escribir poemas como «Cartomancia» o «Para destruir a la enemiga». Olga convierte en ritual el acto de escribir. Acostumbra escribir con una piedra en cada mano. Una de donde nació su padre, otra de la tierra de su madre y una tercera que le había dado un amigo de la infancia al mudarse de Toay a Bahía Blanca. 

Trabajó en el periodismo empleando hasta ocho pseudónimos y dirigió algunas publicaciones literarias. También organizó el horóscopo del diario Clarín durante los años 1968 y 1974.
Su producción poética recibe la influencia de San Juan de la Cruz, Rimbaud, Nerval, Baudelaire, Milosz y Rilke. Lo más importante de su producción se encuentra en los poemarios, que se extienden en un libro de prosas poéticas narrativas: La oscuridad es otro sol (1967).
Su primer libro de poesía fue Desde lejos (1946), pero su segundo libro, Las muertes (1952), centrado en la muerte de varias figuras históricas e imaginarias, incluida su autora, fue el que recibió mayor atención. Además de éstos, Los juegos peligrosos (1962) y un total de nueve colecciones de poesía y varios libros de cuentos y ensayos le significaron premios como el Premio Nacional de Poesía, Primer Premio de Poesía Fortabat, el Premio Gabriela Mistral de la OEA entre otros. En 1981 la Sociedad Argentina de Escritores (SADE) le otorga el Gran Premio de Honor. Y en 1998 fue galardonada con el Octavo Premio de Literatura Latinoamericana y del Caribe Juan Rulfo, una de las distinciones más importantes en lengua hispánica.  

Su obra fue traducida a varios idiomas. Orozco vuelve una y otra vez a ciertos temas, imágenes y palabras sobre el significado de su experiencia, como si leyera del libro de la vida, para darle sus propias interpretaciones. En ellas, descubrimos muchos hechos de su vida, aunque su poesía se centra en lo cósmico más que lo humano. Gira en torno del tema de la muerte y la soledad, expresados con una gran intensidad dramática. Olga Orozco se caracteriza por una inteligencia sutil que le permite una extraordinaria capacidad para recurrir al lenguaje figurado. Desarrolla una imaginación visionaria abundante en expresiones, con la evocación de la niñez y la adolescencia, como temas frecuentes.  

En 1965 se casa con el arquitecto Valerio Peluffo que fallece en 1990. De su muerte Olga comenta en su momento:
«Yo asimilo muy poco las muertes, sigo sufriendo como si fueran actuales. Aunque he aprendido un poco a convivir con la ausencia como si fuera una presencia. Eso me sucede con mi marido, pero la muerte de mi madre, hace cuarenta años, es igual que si hubiera sucedido ayer. Tengo una memoria que es enemiga del tiempo y de la muerte, los hace retroceder. Pero al mismo tiempo tengo que llevar permanentemente casas, paisajes, situaciones tristes y alegres, ciudades que he visto, todas viajan en un carro que arrastro en mi espalda como un caracol. Así como uno cree que el pasado influye en el porvenir, creo que el porvenir influye en el pasado. Hay una interacción permanente de tiempos y para esto me ayuda la poesía.” 

Como consecuencia de una afección circulatoria debió ser internada durante dos meses para someterse a varias operaciones en el Sanatorio Anchorena de Buenos Aires, donde Falleció a los 79 años de un paro cardíaco.  

“Y nada queda en ti, corazón asediado:
apenas si un color, si un brillo mortecino,
si el sagrado mensaje que dejara la tierra entre tus muros,
se pierden, a lo lejos,
bajo un mismo compás idéntico y glorioso como la eternidad.”  Olga Orozco 

“Mi historia está en mis manos y en las manos con que otros las tatuaron.
De mi estadía quedan las magias y los ritos”  Olga Orozco 

    1342 – 1416

Una de las grandes místicas inglesas, escritora del primer libro en inglés. 

Poco se sabe de Julian, incluso su nombre es incierto. Se cree que se desprende de la iglesia de St Julian´s en Norwich cerca de la que vivió prácticamente toda su vida.  Hoy día es patrona de la orden que lleva su nombre.

        07/11/1901 – 09/11/1964

Poetisa, profesora y periodista. En la década del 30, rompió con todos los tabúes de la sociedad con su defensa de una política menos moralista y una educación moderna. Como periodista, fue defensora de la idea universal de democracia en medio de un período de autoritarismo nacional.

Su poesía lírica y de gran interioridad, de simplicidad en la forma pero de imágenes y símbolos complejos, es de gran relevancia para la literatura brasileña del siglo XX.  

Cecilia Meireles nació en Rio de Janeiro, hija de un empleado del Banco do Brasil y de una profesora municipal. La muerte estuvo presente desde el comienzo en su familia, con  el nacimiento de tres hijos que no sobrevivieron y que Cecilia no llegó a conocer. Más tarde, su padre fallecería tres meses antes de su nacimiento y su madre a los tres años. Criada por su abuela, Cecilia desarrollo una profunda consciencia y sensibilidad desde niña, habituada a la soledad y rodeada de libros. Comenzó a escribir a los 9 años y se incorporó a la docencia como profesora pública a los 16.  

Dos años más tarde iniciaba su carrera literaria con la publicación de la colección de sonetos simbolistas Espectros en 1919. La obra poética de Cecilia en la década del 20, revela poca afinidad con las tendencias nacionalistas de moda en libros como Nunca mas… Poema de los Poemas (1923). Crianza, mi amor (1924) y Baladas para el rey (1925) En 1922 se casa con el pintor portugués, Fernando Correia Dias, con quien tiene tres hijas. Su marido se suicida en 1935. Cecilia vuelve a casarse en 1940. 

Entre 1925 y 1939, se dedica a la carrera docente y publica varios libros infantiles. En 1930 escribe para “Diário de Notícias” una página diaria sobre los problemas en la educación. También funda en Rio de Janeiro la primera biblioteca para niños de Brasil.  Enseña literatura brasileña en Portugal hasta que reaparece en el escenario poético luego de 14 años de silencio con Viaje (1939), un libro considerado de gran madurez e individualidad. Ese mismo año recibe el Premio de la Academia Brasileña de Letras. A partir de allí nunca más deja de publicar. Varios de sus libros están inspirados en sus viajes, en los que ahonda en la comprensión de la humanidad a  partir de su contacto con las personas y sus costumbres.

También escribió sobre temas pedagógicos y folklóricos y prosa lírica como Giroflê giroflá (1956), Escoja su sueño (1964) e Inéditos (crônicas – 1968).
Entre los libros de poesía que publica después de 1939 se encuentran: Música Vaga (1942), Mar Absoluta (1945), Retrato Natural (1949), Romancero de la desconfianza (1953), Metal Rosicler (1960), Poemas Escritos en la India (1962), Solombra (1963) y O esto o aquello (temática infantil, 1964). 

Cecilia Meireles fue una de las grandes defensoras de la libertad, en una época marcada por la dictadura y la represión del llamado “populismo” de Getúlio Vargas. Esto le significó la persecución de una serie de enemigos debido a sus convicciones y crítica al sistema. Una de sus mayores luchas fue la defensa de una escuela pública libre, mixta sin la interferencia arbitraria de la familia ni de la iglesia. Por eso se ganó la ojeriza de la iglesia católica a lo largo de 30 años y aún hoy, cuando muchas veces se hace una lectura equivocada de su obra.

Cecilia termina con La «Página de Educação» del “Diário de Notícias” en enero de 1933, cuando cansada de las maniobras políticas del gobierno y el estado de la educación en Rio de Janeiro expresa su “horror” ante su labor periodista. No obstante el diario carioca «A Nação» la contrata para escribir sobre todo, ¡menos política!

En la década del 40 escribe sobre folklore para el diario «A Manhã». En la década del 50, vuelve al «Diário de Notícias», para escribir en el «Suplemento Literário», dónde ya habían colaborado Mário de Andrade y Sérgio Buarque de Holanda. Termina su carrera periodística en la década de 60, en “Folha”.

Cecilia Meireles viajó extensamente dando conferencias en América Latina, EE UU y Portugal y recibió varios premios y honores en varios países. Luego de su muerte debido al cáncer, continuó recibiendo honores y premios póstumos por su obra poética y educativa. 

“Mas, en esta  aventura del sueño expuesto a la corriente,
apenas recojo el gusto infinito de las respuestas que no se encuentran.” Cecilia Meireles. 

“En toda la vida, nunca me esforcé por ganar ni me sorprendí por perder. La noción o el sentimiento de la transitoriedad de todo es el fundamento mismo de mi personalidad.”
Cecilia Meireles. 

                       14/03/1857 – 18/04/1939

 Escritora y filántropa escocesa, dedicó su vida al trabajo social, en particular para mejorar la vida de la mujer y defender sus intereses. Ishbel fue la primera mujer miembro honoraria de la Asociación Británica de Medicina. 

Nació en una familia de nobles escoceses de Lees, cuyos hombres ocuparon altos cargos en el gobierno y el comercio. Su padre, el barón de Tweedmouth y su madre hija de un abogado rico y orador en la Cámara de los Comunes, le dieron una infancia feliz entre la fastuosa mansión  de cuatro pisos de Londres y las visitas a la casa de campo en las tierras altas de Escocia. Tuvo un hermano y una hermana mayores que ella y un hermano menor que murió de escarlatina siendo niño.

Con ayuda de los sirvientes, aprendió a leer sola a los tres años. A los seis, se carteaba regularmente con su padre. Su educación formal estuvo en manos de profesores particulares y una gobernanta suiza, con quien hablaba en francés y alemán.

El deseo de instruirse y mejorar fue una pasión constante en su vida. Su padre le permitió organizar una escuela dominical en Guisachan para los hijos de los sirvientes y los granjeros arrendatarios de la zona. Uno de sus profesores insistió en que debía continuar su educación en Girton, la facultad para mujeres de Cambridge, pero su padre se negó por considerarlo inadecuado para una joven de su clase. De acuerdo con los deseos de su padre, a los dieciocho años fue presentada en sociedad formalmente ante la corte de la reina Victoria. Seis años más tarde se casaría con el conde de Aberdeen. En 1879 nació su primer hijo, George, a quien le siguieron cuatro más. En Haddo House, en Aberdeenshire, Ishbel de dedicó a ayudar en la educación de sus hijos y también la de los sirvientes y arrendatarios del campo a través de clases nocturnas en el salón del pueblo para los hombres y por correspondencia para las mujeres, a quienes no les permitían salir por la noche. Transformó el único día de vacaciones de verano de los trabajadores, que salían a emborracharse y se metían en problemas, en un día de fiesta sin alcohol en los jardines de Haddo, con juegos, limonada, te y tortas para ocho mil personas.

Además de su trabajo social, a Ishbel le interesaba la política.  Para horror de sus padres, ayudó junto al Primer Ministro Gladstone a que las prostitutas lograran tener una vida más independiente en una misión de rescate de los viernes por la noche.
A pesar de su descontento con la violencia política en Irlanda, más tarde Ishbel tomó la iniciativa de organizar una reunión de todas las facciones políticas irlandesas en conflicto para que cooperaran para aliviar la hambruna por el desastre de la cosecha de la papa. Así lo hicieron y su marido incluso colaboró con 1.500 libras para comprar semillas. Ishbel también ayudó a fundar la Asociación de la Industria de Irlanda. Cuando llegó el día de su partida, el pueblo irlandés salió a la calle para vitorearla a su paso.

Una vez en su hogar, los Aberdeen se embarcaron en un viaje a la India, Australia y Nueva Zelanda. Al regresar a Escocia, Ishbel volvió a  su trabajo como oradora y retomó su labor para la defensa de las mujeres trabajadoras. También comenzó una revista mensual para el servicio doméstico femenino a la que llamo Onward and Upward (Hacia delante y hacia arriba), que incluía una sección para los niños.

Ishbel era muy requerida en todo el Reino Unido por sus discursos inspiradores y de aliento a la mujer. Ella creía que la mejor solución para la pobreza y el hacinamiento que sufrían tantas personas en Gran Bretaña era la emigración a las colonias. Para promover esa causa e investigar las condiciones a que tendrían que enfrentarse los emigrantes, decidió visitar Canadá en 1890. En su trayectoria con su marido, habló con mujeres británicas sobre su experiencia y publicó las experiencias de su viaje en capítulos mensuales de la revista y más tarde en un libro que se llamó Through Canada with a Kodak (Por Canadá con una Kodak).

Luego de un período en Inglaterra en el que Ishbel retomó su trabajo para la promoción de la industria irlandesa, en 1892, Lord Aberdeen fue nombrado Gobernador General de Canadá. Allí volvieron a establecerse e Ishbel continuó influyendo en la política al ocupar un asiento en la cámara de los comunes.

Ishbel habló ante dos mil mujeres en Toronto para discutir la creación del Consejo Nacional de Mujeres, la primera vez que la esposa de un Gobernador General daba un discurso público. Fue la primera presidenta del nuevo consejo que unificaba a todas las organizaciones de mujeres en el país y que continúa creciendo.
Otro de los grandes triunfos de Ishbel fue la fundación de la Orden Victoriana de Enfermeras, otra institución canadiense que la sobrevivió y que suministraba atención a domicilio a las personas de edad avanzada y con enfermedades crónicas.

Durante sus cinco años en Canadá, los Aberdeen viajaron por todo el país y se bromeaba (aunque no tan lejos de la realidad) que Ishbel era realmente la Gobernadora General. Cuando llegó el momento de partir, las demostraciones de afecto fueron innumerables. Al regresar en 1898, retomó la presidencia del Consejo Internacional de la Mujer. Tuvo un papel preponderante en la asamblea de cinco mil mujeres de más de veinticinco países para debatir el papel de la mujer en las profesiones, las artes, la política, la educación, el bienestar social y la paz mundial.

Durante casi cincuenta años, Ishbel, conocida entre los miembros como “la abuelita” fue una líder eficiente y consciente en el movimiento que llegó a agrupar a veinte millones de mujeres, y ejerció una influencia profunda en la realización de las metas de las mujeres en el mundo de posguerra.

In 1906, los Aberdeen regresaron a Irlanda, donde Ishbel tomó especial interés en la salud y en particular la mortalidad infantil y la tuberculosis. Fundó la Asociación Nacional de Salud para la Mujer. Organizó una exposición ambulante por todo el país para promover costumbres para la buena salud hasta en los lugares más remotos.  Con la ayuda del gobierno, la asociación construyó hospitales, dispensarios y clínicas, extendió sus actividades para incluir exámenes médicos y dentales para los escolares, suministro de comidas en las escuelas, clases de primeros auxilios y de cocina, etc. Vendió sus alhajas para ayudar a financiar el programa y solicitó contribuciones de sus amigos ricos en Gran Bretaña. Junto a su marido llevó a cabo un tour para recaudar donaciones en EE UU que duró dos años y medio y que aseguró la continuación del proyecto. 

Al regresar a una Gran Bretaña de posguerra, las propias finanzas que la pareja usó para el servicio público de manera tan generosa, se vieron afectadas. Vendieron parte de sus propiedades en Haddo y se mudaron a Cromar, donde escribieron sus memorias bajo el título We Two (Nosotros dos). La publicación quedó agotada inmediatamente.

Luego de cincuenta y siete años juntos, Lord Aberdeen murió en Cromar de una hemorragia cerebral en 1934. Por no poder hacer frente a los gastos, Ishbel se mudó a una casa de Aberdeen que su hijo mayor le compró.

Contrario a la indicación de su médico, Ishbel se presentó para inaugurar un nuevo edificio del Y.W.C.A. en Birmingham con una plegaria para las nuevas generaciones “que han venido al mundo en tiempos tan difíciles.» Mientras otra guerra se avecinaba, el corazón de Ishbel se detuvo y fue enterrada junto a su marido y compañero en Haddo House.

         22/06/1906 – 07/02/2001

Pionera en la aviación junto a Charles A. Lindbergh, Jr., su marido. También fue una notable escritora que adquirió reconocimiento literario desde temprana edad. Sus novelas, ensayos y diarios han sido descritos como “pequeñas obras de arte”.

Anne Lindbergh nació en Englewood, Nueva Jersey, hija del empresario, embajador y senador de EE UU, Dwight Morrow y la poeta y defensora de la educación de la mujer, Elizabeth Cutter Morrow. Obtuvo su licenciatura en Filosofía y Letras en 1928 y al año siguiente contrajo matrimonio con Charles A. Lindbergh, a quien conoció en México y con quien tuvo seis hijos.

En los primeros años, los Lindbergh pasaron gran parte del tiempo volando. Anne pronto se convirtió en copiloto y radiooperadora en los vuelos exploratorios de la pareja, que hicieron historia y al mismo tiempo trazaron rutas aéreas para las líneas comerciales. Realizaron estudios aéreos por toda Europa y el Caribe con lo que nació el servicio postal aéreo. En 1931, le otorgaron la licencia de piloto, y volaron en un aeroplano monomotor creando rutas desde Canadá y Alaska hasta Japón y China, viajes que figuran en las crónicas de Anne, su primer libro, North to the Orient. Luego realizaron en el mismo avión un viaje de cinco meses y medio completando 48.000 km de rutas aéreas en el Atlántico Norte y Sur en 1933, tema del libro de Anne Listen! the Wind. Charles describió esta expedición como más difícil y problemática que su épico vuelo de Nueva York a París en 1927 en el «Espíritu de St. Louis».

La National Geographic Society le otorgó a Anne Lindbergh la medalla de oro Hubbard en 1934 por sus logros en los 64.000 km recorridos en vuelos de exploración en cinco continentes junto a su marido. Un año antes, recibió la Cruz de Honor de la Flag Association de EE UU por su participación en el trazado de rutas aéreas transatlánticas. En 1993, Women in Aerospace le concedió el premio especial Aerospace Explorer como reconocimiento por su contribución al campo de la aviación.

Anne Morrow Lindbergh también fue la primera piloto mujer autorizada para volar aviones sin motor en los Estados Unidos.
Es autora de otros 11 libros publicados, que incluyen Earth Shine, en el nos cuenta haber presenciado el primer viaje orbital a la luna del Apollo 8 desde Cabo Kennedy. A partir de las fotos de la Tierra que se obtuvieron desde la órbita, expresa que deben dar a la humanidad “un nuevo sentido de la belleza y riqueza de la tierra”. Es autora del conocido Gift from the Sea, y los cinco volúmenes de diarios y cartas desde 1922 a 1944. Su ensayo Gift from the Sea, escrito en 1955 fue número uno en la lista de libros más vendidos durante semanas.  

 Al cabo de 45 años de matrimonio, Charles Lindbergh murió en 1974. Luego de una serie de apoplejías a comienzos de los años 90, Anne murió en 2001 en su casa de Vermont a los 94 años. Luego de su muerte se descubrió que Charles había tenido tres hijos con una amante a quien mantuvo durante 17 años, un hijo con la hermana de ésta, y posiblemente tuvo otro también con su secretaria, lo que contribuyó a formar el carácter estoico de Anne en las últimas décadas de su vida. 

“Creo que lo que una mujer resiente no es tanto entregarse por completo, sino entregarse en vano.” Anne Lindbergh

      (1947 –    )  

Poeta, narradora y traductora nacida en Barcelona, donde cursó la carrera de Filosofía y Letras y donde reside. Ana María Moix pertenece al grupo de los novísimos, junto a Gimferrer, Azúa y Panero, entre otros. Fue el único nombre femenino incluido en la antología Nueve novísimos poetas españoles de Josep María Castellet.  

En sus comienzos se ganaba la vida haciendo entrevistas para «Tele/Exprés» y traducciones, mientras tenía una participación activa en la revista «Vindicación feminista» de Carmen Alcalde y Lidia Falcón. «Nosotras -dice- lo tuvimos más fácil que la mayoría, y yo, particularmente, porque no he tenido hijos. Ahora, cuando ves que las tres cuartas partes de la humanidad pasan miseria y que el 70% son mujeres, ves cuánto queda por hacer». 

De adolescente, la muerte de su hermano Miguel de 18 años la marcó. «Yo tenía 15 años y fue muy duro. Ahora la muerte se silencia, se oculta, como las enfermedades, cuando tendríamos que convivir con ella porque está en todas partes.»  

Su familia materna tenía un negocio de pintura y se trasladaron a vivir a la calle Joaquim Costa, el barrio de su infancia y el de su madre, a quien define como distante y fría. «Tal vez porque se sentía insatisfecha, como todas las mujeres inteligentes de una época llena de prejuicios». De su padre, a quien admite haberse acercado un poco más en los últimos años, dice apreciar el sentido del humor y un talante extravagante que rompía con la monotonía. «Fui una niña retraída, solitaria, cerrada, patológica».  

Ana María Moix empezó a escribir a los 12 años y fue su hermano Terenci quien le enseñó el placer del cine y de la literatura. En poesía adquirió fama y prestigio, sobre todo a partir de su inclusión en la Antología Nueve novísimos poetas españoles, que marca una época porque con ella se cierra la poesía del realismo social y empieza la de «Los novísimos».  

Su obra poética, publicada en 1969 y 1972, se inicia con Baladas del Dulce Jim. En 1970 ganó el Premio Vizcaya de Poesía con No time for flowers. Otros títulos en poesía son Call me Stone de 1969 y A imagen y semejanza, 1983-1985, que recoge toda su obra poética. En el campo del reportaje se destaca: “24 x 24” (libro de entrevistas con fotografías de Colita. Ha publicado diversos libros para niños y adolescentes entre otros, Miguelón y La niebla y otros cuentos. 

Los libros más memorables de la narrativa de Ana María Moix comienzan con Julia, 1968 y continúan con Ese chico pelirrojo a quien veo cada día, 1972, Walter, por qué te fuiste, 1973; Las virtudes peligrosas, 1986 Premio Ciudad de Barcelona, 1986; Vals negro, 1994, Premio Ciudad de Barcelona 1995 y Femenino singular, 1994; y De mi vida nada sé, 2002.
La narrativa de Ana María Moix es una indagación permanente en los afectos, los sentimientos, y el comportamiento humano.

Varios de sus libros y relatos se han traducido en Francia, Italia, Alemania, Grecia y Estados Unidos. Alterna la escritura y la traducción (Marguerite Duras, Mercé Rodoreda, Nina Berberova, Samuel Beckett, entre otros autores) con las colaboraciones en revistas y periódicos («La Vanguardia», «El País», y “El Periódico”, entre otros).

En 2004 fue galardonada con el premio Honoris Causa de Aula de Poesía de la Universidad de Barcelona. Actualmente, es directora de Editorial Bruguera.

“Todo sucedió con la máxima sencillez, de acuerdo con lo que
las conveniencias exigen y sin afectación alguna por su parte.
Corazón Amarillo Sangre Azul pronunció su último mensaje:
dejad en paz a los alcohólicos y no olvidéis que los cisnes
cantan antes de morir.” Ana María Moix 

     15/03/1838 – 06/04/1923

Etnóloga pionera y líder del movimiento para la inclusión de los indios americanos en la sociedad blanca. Fue una de las primeras mujeres cuyo trabajo en antropología recibió reconocimiento profesional. Defensora de los derechos indígenas y los derechos de la mujer.

Fletcher nació en Cuba, cuando su familia de EE UU se instaló allí en vano para que su padre de recuperara de la tuberculosis. De familia adinerada de Nueva Inglaterra, su padre era abogado y su madre provenía de una familia de empresarios prominentes de Boston. Su padre falleció en Cuba cuando ella apenas tenía un año y medio. Una vez en Brooklyn, estudió en colegios privados, pero no se tiene mucha información sobre sus primeros años y la misma Fletcher siempre fue muy escueta sobre los primeros 40 años de su vida. Se sabe que fue a los mejores colegios y que fue maestra por un tiempo. Parece ser que tuvo serios problemas en la familia. Como comenta una de sus amigas. “Tenía un padrastro malvado que la perseguía constantemente, y tuvo que luchar mucho contra eso.”

En la década de 1870, se había convertido en un miembro activo de varios grupos feministas y sufragistas de clase alta en Nueva York. Fletcher se interesó en antropología y los asuntos indígenas en la década de 1870. En 1880 comenzó a estudiar arqueología con Frederick Putnam, director del Museo Peabody de Arqueología y Etnología, como mentor. Probablemente, la discriminación sexual evitó que tuviera un puesto regular en el museo. Su interés por la arqueología la acercó a las comunidades indígenas. En 1881 fue a vivir con los indios Omaha de Nebraska para realizar estudios.

El tiempo que pasó con los Omaha dio origen a su dedicación a la antropología y la creación de una política indígena. Quedó fascinada por su cultura, especialmente su música y danzas, y tuvo una amistad cercana con varios miembros de la tribu, hasta que finalmente adoptó a su hijo Francis La Flesche.

También se volvió una defensora influyente con la creciente presión para la división de las tierras tribales en pequeños terrenos individuales. En 1882, el Departamento de Asuntos Indígenas la contrató para que hiciera un estudio sobre las tierras. El mismo año, la contrataron para administrar la distribución de las tierras Omaha. Sus esfuerzos por mejorar la organización de la distribución de tierras de los indios americanos es el reflejo de un afán misionario y una actitud paternalista característica de la época.

Para Fletcher, al igual que para los otros defensores, la distribución era un remedio para los males de los indígenas en desgracia. Ellos creían que la posesión tribal de las tierras bloqueaba el avance económico natural y saludable para blancos e indios de igual manera, ya que minaba el incentivo individual de trabajar y hacía improductivas las tierras fértiles. Los reformistas creían que mientras los indios conservasen las tierras de manera colectiva, los blancos nunca respetarían sus derechos a éstas. La trágica historia del desposeimiento que comenzó en las colonias del Atlántico y se extendió hacia el oeste volvió a repetirse, y acabó en la extinción de los indios.

La mayoría de los pueblos indígenas consideraban la distribución de tierras como una imposición de una práctica cultural más. Otra manera de robarles la tierra. Y sabían mejor que cualquier filántropo que sus tierras simplemente eran demasiado áridas para su uso agrícola. Mostraron su oposición ante el Congreso y se negaron a asistir a sesiones en que se asignaban lotes.

Las predicciones de los opositores de distribución de tierras se hicieron realidad. A pesar de las opiniones y las buenas intenciones de los reformistas como Fletcher, la distribución fue un desastre total. Dos tercios de la población indígena fue despojada de toda tierra o quedó con un lote demasiado pequeño para poder subsistir.

Además de haber tenido un papel decisivo en la aprobación de la Ley de Dawes de 1977, en 1889 trabajó en la reserva Nez Percé en Lapwai, Idazo con su amiga Jane Gay, una amiga de escuela con quien se reencontró y reanudó una amistad que pronto se convirtió en una relación amorosa. Durante varias décadas, Jane fue su compañera y estudió fotografía para ayudarla a hacer el registro de las características de la cultura Nez Percé.

A pesar de encontrar gran resistencia al comienzo, Fletcher obtuvo el respeto de esta tribu y reestructuró la vida indígena de este grupo para adecuarlo a la distribución de tierras. Luego de completar este proyecto, Fletcher escribió una serie de estudios, muchos en colaboración con su hijo Francis, ya antropólogo él también. Su trabajo incluyó un estudio amplio de la cultura Omaha y una colección de sus canciones y su música.

Desde el punto de vista antropológico, la importancia del trabajo de Fletcher radica en su aplicación del rigor científico de la arqueología al campo de la etnología. En sus observaciones, pasó de lo simplemente descriptivo e impresionista a la categorización de aspectos específicos de la cultura indígena y las prácticas económicas. Su libro La Tribu Omaha es considerado el trabajo más conclusivo sobre el tema. Además de abogar por la protección de las ruinas indígenas, entre otras cosas, Fletcher llegó a ser vice presidenta de la Asociación Americana para el Progreso de la Ciencia, miembro fundador de la Asociación Antropológica Americana, y presidenta de la Asociación Folklórica Americana, entre otras.

“En mi convivencia con mis amigos indígenas…me sentía como una extraña en mi propio país. Con el paso del tiempo,  el aspecto externo de la naturaleza permanecía inmutable,  pero en mí se produjo un cambio.  Aprendí a escuchar los ecos de un tiempo en que cada ser viviente, incluso el cielo, tenía una voz. Quise hacer audible para otros esa voz que,  con devoción,  escuchaban los pueblos antiguos de América”.  A.F. (Temkin 1988)

                29/06/1929 – 15/09/2006 

En la semana de su aniversario, una voz fuerte y apasionada del siglo XX, siempre valiente en su disección de la política, el poder y el ego, con sus efectos devastadores para las democracias mundiales.

Periodista y escritora italiana, partisana durante la segunda Guerra Mundial. El ex director del diario Corriere Della Sera la llamó “nuestra más celebrada escritora”. El Los Angeles Times la describió como “la periodista a quien ninguna figura mundial pudo negarle nada”. Como joven periodista, entrevistó a líderes políticos y personajes famosos como el ayatola Jomeini, Yasir Arafat, Indira Ghandi, Lech Walesa, Golda Meir, Henry Kissinger. A raíz de su entrevista con Jomeini publicó un libro llamado Ayatola, cuya publicación está prohibida en Irán. Escribió una serie de artículos y libros sumamente críticos del Islam y los árabes, que crearon gran polémica entre algunas facciones.

Fallaci nació en Florencia, hija de Edoardo Fallaci, ebanista y activista político que luchó contra la dictadura fascista de Mussolini. Con 16 años, Oriana comenzó a trabajar como periodista para costearse los estudios de medicina, pero la mala salud la forzó a abandonarlos. Durante la segunda Guerra Mundial, Oriana conoció las atrocidades de la guerra y, aunque muy joven, se unió a la resistencia. Comenzó su carrera periodística como corresponsal en 1950. Fue corresponsal de guerra en Vietnam, en la guerra entre India y Paquistán, en Medio Oriente y en Latinoamérica. Durante muchos años, Fallaci fue corresponsal especial para la revista política L´Europeo y la revista Epoca. Durante la masacre de Tlatelolco en 1968 a Fallaci le dispararon tres veces, la arrastraron del pelo por las escaleras y el ejército mexicano la dio por muerta.

En los años 70, tuvo un amorío con uno de sus entrevistados, Alexandros Panagoulis, una figura solitaria en la resistencia griega contra la dictadura de 1967. Fue capturado, torturado y encarcelado por su intento fracasado de asesinato contra el dictador y ex coronel Georgios Papadopoulos. Panagoulis murió en 1976, en circunstancias controvertidas en un accidente de tráfico. Fallaci mantuvo que Panagoulis fue asesinado por miembros de la junta militar griega y su libro Un hombre está inspirado en la vida de Panagoulis.

Durante la famosa entrevista de 1972 con Henry Kissinger, éste admitió que la Guerra de Vietnam fue una “guerra inútil” y se comparó a un “cowboy” que cabalga solo adelante de un vagón de tren”. Kissinger luego escribió que fue “la conversación más desastrosa que he tenido con la prensa en toda mi vida”.

Fallaci recibió dos veces el premio periodístico St. Vincent, al igual que el Premio Bancarella en 1971, el Premio Viareggio en 1979, por Un Hombre y el Premio Antibes en 1993.

También dio cátedra en las Universidades de Chicago, Yale, Harvard y Columbia. Sus libros se han traducido a 21 idiomas y ha vendido varios millones de ejemplares en todo el mundo.

En 2002 el Centro Islámico Suizo la demandó por el supuesto contenido racista de La rabia y el orgullo, y la corte suiza pidió su extradición al gobierno italiano, que se negó al afirmar que la constitución italiana protege la libertad de expresión. En 2005, volvieron a demandarla por “ser ofensivos algunos de los comentarios en su libro contra el Islam”.  Fallaci a su vez acusó al demandante de haber ordenado su asesinato y difamado al cristianismo.

Fallaci pasó los últimos años de su vida en Nueva York, donde vivió durante varios años con cáncer de pulmón y de pecho, al que se refirió como “el Otro” en sus libros más recientes. Regresó a Italia antes de morir en un hospital de Florencia a los 77 años.

“Para que la gente piense un poco más, fuera de los dogmas con los que nos viene alimentando esta sociedad durante siglos. Para ofrecer historias e ideas que ayuden a la gente a ver mejor, pensar mejor y saber un poco más”. O.F.

                  21/02/1903 – 14/01/1977

 Autora de novelas de vanguardia en estilo surrealista francés, se la conoce muy bien por su vida y los Diarios de Anaïs Nin, ocho volúmenes de sus diarios personales escritos a su padre que abandonó a la familia cuando ella tenía once años. Su trabajo literario revela la influencia del movimiento surrealista y su estudio del psicoanálisis con Otto Rank. 

Anaïs Nin nació en Neuilly, Francia. Su padre, el compositor Joaquin Nin, se crió en España, pero nació en Cuba y allí regresó luego de abandonar a su familia. Su madre, Rosa Culmell y Vigaraud, era de origen cubano, francés y danés. Anaïs vivió gran parte de su juventud con parientes cubanos. En 1914, Anaïs se mudó a Estados Unidos. Se educó en colegios católicos y finalmente dejó sus estudios para trabajar como modelo y bailarina. Regresó a Europa en 1923.

Anaïs fue una figura literaria desconocida la mayor parte de su vida, hasta que los diarios que escribía desde 1931, comenzaron a publicarse en 1966. Cada uno de los ocho volúmenes de El diario de Anaïs Nin tiene un tema e incluye cartas que intercambiaba con amigos como Henry Miller. La popularidad de los diarios atrajeron el interés a sus novelas anteriores Delta de Venus y Pájaros de fuego, escritas originalmente en los años 40, y que se publicaron después de su muerte (1977, 1979).

Ningún editor se interesó en la publicación de sus novelas. Ella misma se vio forzada a imprimir sus libros. Instaló, en un desván de Nueva York una imprenta rústica, en la que imprimía sus propios textos y los de sus amigos, escritores de vanguardia. Para el mundillo literario norteamericano, Nin no era más que una escritora extranjera que escribía en inglés, pero que había publicado en Francia. Nunca perdonó a Truman Capote, Tennessee Williams, Gore Vidal y Djuna Barnes, entonces escritores reconocidos en Estados Unidos, no haberla tomado en cuenta como creadora. Al verse relegada, buscó a las minorías en un rincón del Greenwich Village.

Anais Nin también fue conocida por sus amantes, que incluyeron a Henry Miller, Edmund Wilson, Gore Vidal y Otto Rank. Estaba casada con el banquero Hugh Guiler de Nueva York, quien toleró sus aventuras. Contrajo matrimonio bígamo con Rupert Pole en California, pero consiguió la anulación cuando su fama se extendió. Al morir vivía con Pole, quien se entregó a la publicación de una nueva edición de los diarios en su versión íntegra.

Las ideas de Anaís Nin sobre lo masculino y lo femenino influenciaron al sector del feminismo conocido como “feminismo de la diferencia”. Más tarde se desvinculó de las formas más políticas de feminismo, al creer que el autoconocimiento a través de la escritura de diarios era una fuente de liberación personal. Anaïs murió de cáncer en California.   

“En mí siempre hubo dos mujeres:
Una desesperada y confundida, que sentía ahogarse. La otra, que saltaba al escenario, escondía sus verdaderas emociones porque eran debilidades, fragilidad, desesperación, y al mundo presentaba sólo una sonrisa, pasión, curiosidad, entusiasmo”. A.N.

 “No vemos las cosas como son, sino como somos”. A.N. 

“No he dejado de ser consciente del drama político que se desarrolla y no he tomado partido porque para mí la política, sea la que sea, me parece podrida hasta el fondo, basada en lo económico en lugar de basarse en lo humanitario. Contra el odio, el poder y el fanatismo, los sistemas y los planes, yo pongo el amor y la creación, una y otra vez, a pesar de la locura del mundo». A. N. 

                         28/01/1873 – 03/08/1954 

Novelista francesa contemporánea de Marcel Proust, Paul Valery, André gide y Paul Claudel. Sus temas principales: la alegría y el dolor del amor, la sexualidad femenina en un mundo dominado por el hombre. La mayoría de sus obras son autobiográficas, aunque Colette intencionalmente desdibujó los límites entre la ficción y la realidad. Escribió más de 50 novelas y libros de cuentos cortos.

Sidonie-Cabrielle Colette nació en la aldea Borgoñesa de Saint-Sauveur-en Puisaye. Hija del capitán de ejército retirado, Jules-Joseph Colette, quien perdió una pierna en la campaña italiana y trabajaba como recaudador de impuestos. La madre de Colette, Adele Eugenie Sidonie Landoy, conocida como ‘Sidonie’ o ‘Sido’, era un personaje poco común, una persona sumamente objetiva, dedicada a sus mascotas, a sus libros y su jardín. Colette tuvo una infancia feliz en un entorno rural, el escenario de sus muchas novelas.

A los 20 años se casó con el escritor y crítico musical Henri Gauthier-Villars 15 años mayor que ella. Los biógrafos de Colette lo describen como un charlatán literario, un degenerado y un explotador de sus colaboradores.

Bajo el seudónimo de su marido Willy, Colette publicó en un corto período cuatro novelas de la serie Claudina (1900 a 03). En su época, se corrió la voz de que él encerraba a Colette en su habitación hasta que ella escribiera lo suficiente. La serie de cuatro novelas describía las aventuras indecorosas de una joven adolescente. Tuvo gran éxito e inspiró todo tipo de otros productos derivados: un musical, un uniforme Claudine, jabón Claudine, cigarros, y perfume.

Cansada de las infidelidades de su marido, Colette lo dejó en 1905. Luego del divorcio en 1906, Colette se convirtió en actriz de music-hall. Quebrando todas las convenciones sociales de los cánones de comportamiento femenino, en el escenario descubría uno de sus senos y en un sketch mimetizaba la cópula, escandalizando al público del Moulin Rouge. La agente y protectora de Colette, conocida como ‘Missy’, era sobrina de Napoleón III, la Marqueza de Belboeuf. Entre otras amigas de Colette, y posiblemente sus amantes, estaba Natalie Clifford Barney, y la escritora italiana Gabriele d’Annunzzio.

En 1912 Colette se casó con Henri de Jouvenel des Ursins, editor del periódico Le Matin, donde publicó crónicas teatrales y cuentos. Tuvieron una hija, Colette de Jouvenel, quien más tarde dijo que sus padres no le daban atención (su madre no quería hijos). En 1910 Colette publicó La Vagabunda, un cuento sobre una actriz que rechaza al hombre que ama para poder ser independiente.

Durante la Primer Guerra Mundial Colette convirtió la mansión de su marido en St. Malo en un hospital para los heridos. Al terminar la guerra, la invistieron  con el título de Chevalier de la Legión de Honor (1920).

Los años 20 le trajeron gran fama. Entró en el mundo de la poesía moderna y la pintura, en cuyo centro estaba Jean Cocteau. Ya en 1927 Colette era constantemente aclamada como la más grande escritora francesa. La mayoría de los protagonistas de las obras de Colette son prostitutas, bisexuales y gigolós, seres socialmente marginados. Colette asociaba el carácter de la mujer con su capacidad de supervivencia. Sus personajes muestran el contraste de la fuerza femenina y la fragilidad que puede llevar al suicidio

En los años 40 Colette retrató sus últimos años en La estrella de la tarde (1946) y El farol azul (1949), donde constantemente cuestiona la relación entre autobiografía y ficción. Gigi (1945) se publicó a sus 72 años. En 1948 se hizo una película basada en la novela y  Vincente Minnelli dirigió una versión musicalizada en 1958.

En los años 30 Colette fue aceptada como miembro de la Academia Real Belga y fue la primera mujer que entró en la prestigiosa academia Goncourt. También ganó numerosos premios por su obra literaria. Durante los últimos 20 años de su vida Colette sufrió una forma paralizante de artritis, que comenzó con la fractura del peroné en 1931. Su matrimonio con Henry de Jouvenal terminó 1924.

Desde 1935 estuvo casada con Maurice Goudaket, cuyo negocio de perlas se arruinó durante la Depresión. Colette tuvo que mantenerlo, porque como judío no conseguía trabajo y tuvo que esconderse durante la ocupación alemana en Francia. Colette murió en París y le otorgaron un funeral nacional, a pesar de negársele un servicio religioso católico por haberse divorciado. Miles de personas asistieron a su funeral.

 «Con una imagen, a menudo conseguimos aferrarnos a nuestras posesiones perdidas.  Pero es la desesperación de perder la que recoge las flores del recuerdo para formar un ramo.» (Mis Aprendizajes, 1936) Colette. 

                     17/08/1801 – 31/12/1865  

Activista y feminista sueca. Pionera en la defensa de los derechos de la mujer, su novela Hertha (1856) es su libro más importante, una novela sobre la falta de libertad de la mujer, que contribuyó con la nueva ley de 1858, sobre los derechos civiles para las mujeres solteras al alcanzar los 25 años.

Se enfrentó a una realidad que se vio forzada a expresar, pero que la perturbaba y constituía una amenaza para su deseo de establecer una visión armoniosa de la vida: la sensación incomprensible de que el opresor y el déspota es capaz de incitar la pasión y el ardor en su víctima.

Fredrika Bremer nació en Turku, una región de Finlandia antes gobernada por Suecia, en una familia rica que se mudó a Estocolmo cuando Fredrika tenía tres años. Su padre, banquero tenía un castillo en la campiña sueca, donde Fredrika pasaba los veranos. De acuerdo con una estricta educación luterana, su madre consideraba que la idea de feminidad la representaba la figura de una bailarina, por lo que severamente limitó la alimentación de Fredrika y sus cuatro hermanas. Probablemente, Fredrika sufría de lo que hoy se considera desnutrición clínica. Las hermanas Bremen, de las que sólo una se casó, permanecieron dentro de casa la mayor parte de su juventud, sin poder ni siquiera dar un paseo corto. Por otro lado, Fredrika recibió una excelente educación: literatura, filosofía, religión y pensamiento ético. En su adolescencia viajó por toda Europa, como era acostumbrado entre las familias privilegiadas, completando así su educación.

Publicó sus primeras novelas anónimamente. A partir de 1840, comenzó a adquirir fama internacional como escritora. Los lectores europeos devoraban las traducciones de sus novelas, y era muy conocida inclusive en los Estados Unidos. Sin embargo, como mujer, no tenía ningún tipo de control financiero ni legal. En los comienzos, aún vivía en casa de su madre (su padre había fallecido en 1830). Un día pidió a su madre usar una habitación donde pudiera escribir y estudiar, aunque fuera en el ático, pero su madre se negó. Más tarde, por las leyes de la época, no pudo tomar decisiones sobre el dinero heredado de su familia. Los únicos fondos que tuvo bajo su control fue el dinero que ganaba con su trabajo literario. Ganó dos veces la medalla de oro de la Academia Sueca en 1831 y 1843.

En la década de 1830 Fredrika Bremer estudió filosofía y teología bajo la tutela de un joven ministro, Boeklin. Se convirtió en una especie de mística y socialista cristiana. Bremen se alejó de Boeklin debido a su propuesta de matrimonio y sólo se comunicó con él por correspondencia. Tenía claro que eran incompatibles, en esa época, una carrera literaria con un plan de familia.

Durante 1849 y 1851, Fredrika viajó a los Estados Unidos y Cuba para estudiar sobre la cultura y la posición de la mujer. Se interesó por el tema de la esclavitud y expresó abiertamente su postura contra la misma. Visitó las cárceles para saber cómo estaban administradas y habló con los prisioneros. Quería saber cuáles eran las oportunidades educacionales y laborales para la mujer.

En ese viaje, Fredrika conoció a escritores estadounidense tales como Catharine Sedgwick, Ralph Waldo Emerson, Henry Wadsworth Longfellow, Washington Irving, James Russell Lowell, y Nathaniel Hawthorne. Conoció indios americanos, dueños de esclavos, esclavos, cuáqueros, shakers, prostitutas. Fue la primera mujer que asistió a una sesión del Congreso de los Estados Unidos desde la galería pública del Capitolio. Luego de regresar a Suecia, publicó sus impresiones en forma de cartas y se lanzó a participar en la vida política sueca, que hasta el momento había evitado. En 1854, durante la Guerra de Crimea, escribió una columna para un periódico, exhortando a las organizaciones de mujeres en todo el mundo a unirse en un bloque contra la guerra. Su propuesta fue criticada por los escritores conservadores, inclusive por los editores de el Times de Londres, que publicaron su artículo en Inglaterra.

En la década de 1850, Bremer participó en un movimiento de paz internacional. Viajó por Europa y Oriente Medio durante cinco años, y una vez más escribió sus impresiones que se publicaron en forma de diario en seis volúmenes. Luego de un servicio religioso el día de Navidad, Fredrika pescó una neumonía y murió en una semana. La gente de la región llevó su féretro por las calles cubiertas de nieve. Murió sólo unas pocas semanas después de la victoria de la reforma que reemplazó los cuatro estados con una democracia más moderna y representativa en Suecia. Recibió la noticia de sus amigos, quienes brindaron por Fredrika Bremen, una vez que se hizo el anuncio oficial de la reforma.

«Mi juventud entera fue muy rara. Tenía la sensación constante de la posibilidad de volverme loca de repente y al instante». F.B.

  
  22/10/1919 – 

Considerada una de las escritoras de posguerra más importantes de lengua inglesa, sus novelas, cuentos y ensayos tocan temas importantes del siglo XX

Doris Lessing nació en Persia de padres británicos con el nombre de Doris May Tayler. Su padre, que quedó inválido durante la Primera Guerra Mundial, era empleado en el Banco Imperial de Persia. Su madre había sido enfermera. En 1925, con la ilusión de enriquecerse con el cultivo del maíz en la colonia británica al sur de Rodesia (ahora Zimbabwe) su madre tuvo que adaptarse a la vida dura de la población entre los que consideraba salvajes. Su padre, en cambió no logró adaptarse y fracasó en su intento de adquirir riqueza.

Lessing describe su infancia como una mezcla de momentos de felicidad y mucho dolor. Su madre, obsesionada con la crianza adecuada de una hija, le impuso un sistema rígido de reglas e higiene, para luego internar a Doris en un colegio de monjas, donde las monjas aterrorizaban a sus pupilas con historias de infierno y condena. Más tarde, Doris fue a un colegio secundario en la capital de Salisbury, que muy pronto abandonó a los trece años.

Como otras mujeres del sur de África que nunca terminaron la educación secundaria (entre ellas Olive Schreiner y Nadine Gordimer), Lessing se formó sola como intelectual con la lectura de libros que llegaban de Londres. Sus primeras lecturas fueron: Dickens, Scott, Stevenson, Kipling; luego descubrió a D.H. Lawrence, Stendhal, Tolstoy, Dostoevsky. También pasó los primeros años absorbiendo los recuerdos amargos que su padre tenía de la guerra, como un “veneno”. Luego escribiría: «Todos estamos moldeados por la Guerra, retorcidos por la guerra, pero lo olvidamos».

Queriendo huir de su madre, Lessing dejó su casa a los quince años para trabajar como niñera. Su empleador le prestaba libros sobre política, sociología mientras su cuñado se le metía a la cama para besarla sin mucha habilidad, en lo que Lessing llamó “una fiebre de insatisfacción erótica”. Frustrada con su amante poco hábil, se entregó a fantasías románticas elaboradas. También escribía historias y las vendía a dos revistas sudafricanas.

Su vida constituyó un desafío a su creencia de que el ser humano no puede resistirse a las tendencias de su época, al luchar contra los imperativos biológicos y culturales que la llevaron a casarse y ser madre, sobre lo que comentó: “ Durante la generación de mi madre, era como si la vida de una mujer parara al tener hijos. La mayoría de ellas se volvían bastante neuróticas, creo que por el contraste de lo que intuían en el colegio que podían llegar a ser,  y lo que en realidad hacían con sus vidas”. Lessing creyó ser más libre que otras mujeres de su época por haberse vuelto escritora.

En 1937 se mudó a Salisbury, donde trabajó como operadora durante un año. A los diecinueve años se casó con Frank Wisdom y tuvo dos hijos. Pocos años después, al sentirse atrapada en una persona que temía la destruiría, dejó la familia. Pero se quedó en Salisbury. Pronto se asoció al grupo de lectura del club comunista Left Book. Al poco tiempo de conocer allí a Gottfried Lessing, se casaron y tuvieron un hijo.

Durante los años de posguerra, Doris Lessing se desilusionó cada vez más con el movimiento comunista, y lo dejó en 1954. En 1949, ya vivía en Londres con su hijo. Ese año publicó su primera novela Canta la hierba. La narrativa de Lessing es sumamente autobiográfica, la mayoría a partir de sus experiencias en África. A raíz de sus recuerdos de infancia, su compromiso con la política y sus preocupaciones sociales, Lessing ha escrito sobre los conflictos entre culturas, las injusticias y la desigualdad racial. Así como también sobre los elementos contradictorios de la personalidad individual, y el conflicto entre la conciencia individual y el bien colectivo. Las  historias y novelas que publicó en los años 50 y 60 ambientadas en África, condenan el desposeimiento de los africanos negros por los colonos blancos, y exponen la esterilidad de la cultura blanca en Sudáfrica. En 1956, como respuesta a su valiente franqueza, se la declaró persona no grata tanto en el sur de Rodesia como en Sudáfrica.

Lessing abrió nuevos caminos literarios con su libro El cuaderno dorado (1962), un atrevido experimento narrativo, en el que los múltiples perfiles de una mujer contemporánea son reflejados con increíble profundidad y detalle. Anna Wolf, al igual que Lessing, lucha por alcanzar una sinceridad despiadada con la intención de liberarse del caos, la apatía emocional y la hipocresía que afecta a su generación.

Atacada como «poco femenina» en su descripción del enojo y la agresión femeninas, Lessing respondió: “Aparentemente, para muchos fue una sorpresa lo que muchas mujeres pensaban, sentían y vivían”. Un crítico observó: “Anna Wulf intenta vivir con la libertad de un hombre”.

En los años 70 y 80, Lessing comenzó a explorar una visión casi mística con libros como Instrucciones para un viaje al infierno (1971), Memorias de un superviviente (1974). Otros libros incluyen El buen terrorista (1985) y El quinto hijo (1988).

En 1995 recibió de la Universidad de Harvard un título honoris causa y visitó Sudáfrica para ver a su hija y nietos,  y promover su autobiografía. Fue su primera visita desde que fue deportada en 1956 por sus ideas políticas. Irónicamente, hoy en día allí es una escritora aclamada por los mismos temas por los que fue prohibida 40 años antes. En 1996 estuvo en la lista de nominados para el Premio Nobel de literatura. Lessing ha recibido y sigue recibiendo premios y honores, incluido el XI Premio Internacional de Cataluña en 1999 y el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 2001. Doris Lessing continúa publicando, participando en charlas, festivales literarios y lleva una vida literaria intensa principalmente en Londres, a sus 88 años. Ganadora del Premio Nobel de Literatura 2007!

“Yo no pensaba que sería escritora. Yo sólo pensaba todo el tiempo en escapar”. D.L.

Quién mejor para celebrar el 1ero de Mayo…        

  09/01/1959 

La realidad mundial evidencia el arraigo de la pobreza, las guerras interétnicas, religiosas y territoriales, así como la constante violación a los derechos humanos y un intenso e ininterrumpido ecocidio. Rigoberta Menchú se ha ganado el respeto mundial como una incansable luchadora contra estos males.

Rigoberta, indígena Maya Quiché, nació en la aldea de Laj Chimel, Guatemala, de una familia campesina que, como tantas, bajan de las montañas cada año para trabajar por un salario miserable en las tierras de los hacendados productores de café, azúcar y algodón entre otros productos que exportan.  

Su padre Vicente, muy respetado por su comunidad y miembro del Sindicato de Trabajadores Rurales, luchó por la tierra y los derechos indígenas. Su madre, Juana fue experta partera. De ellos, Rigoberta aprendió a respetar la naturaleza, el valor sagrado de la tierra y la vida colectiva indígena. Con ellos también conoció desde joven la injusticia, la discriminación, y la explotación, el poder del dinero en manos de minorías cuyo interés es mantener a miles de indígenas en la pobreza extrema para continuar lucrando con su esfuerzo.  

La miseria la obligó a partir a la capital, para ayudar a sus padres y hermanos, una vez que aprendió a organizarse para la lucha. Desde adolescente se involucró en el movimiento por los derechos de la mujer, que originó una fuerte oposición entre los círculos de poder. En 1979 se unió al Sindicato de Trabajadores Rurales donde tuvo una participación activa en manifestaciones, trabajo de concientización y educación del pueblo indígena para resistir a la opresión militar.  

En septiembre de ese año perdió a su primer hermano Patrocinio, secuestrado por el ejército y presuntamente asesinado, aunque hasta la fecha se desconoce el paradero de sus restos. Cuatro meses más tarde, en enero de 1980, perdió a su padre, que murió calcinado, junto con otras 36 personas, en la masacre de la Embajada de España. La madre de Rigoberta fue secuestrada en abril de 1980 y, aunque existen diferentes versiones sobre su presunto asesinato, también se desconoce el paradero de sus restos.  

En 1981 Rigoberta tuvo que permanecer oculta. Su hermano Víctor Menchú Tum fue asesinado por el ejército en marzo de 1983. Estos hechos forman parte de los argumentos que sustentan el pedido de Justicia Universal y la lucha contra la impunidad que lleva Rigoberta. Logró escapar de la horrenda política de terror implantada en Guatemala exiliándose en México en 1981, desde donde continuó su incansable trabajo de denuncia. Inició también la lucha por el respeto y el reconocimiento de los derechos de los Pueblos Indígenas del Mundo. En 1982 participó en la Representación Unitaria de la Oposición Guatemalteca (RUOG). Desde ese año ha participado en las sesiones anuales de la Subcomisión de Prevención de las Discriminaciones y Protección a las Minorías de la Comisión de Derechos Humanos de Naciones Unidas, así como en las Asambleas Generales del Organismo Mundial desde 1993.  

En 1983, tras contar su historia a Elizabeth Burgos Debray, se publicó el libro Yo, Rigoberta Menchú, un documento conmovedor que atrajo considerable atención internacional. En 1986 se hizo miembro del Comité de Unidad Campesina (CUC) y al año siguiente fue la narradora de la película Cuando tiemblan las montañas, sobre la lucha y el sufrimiento del pueblo Maya. En tres ocasiones, Rigoberta Menchú regresó a Guatemala para la defensa de los derechos de los campesinos indígenas, pero las amenazas de muerte la forzaron a regresar al exilio. A lo largo de los años, su trabajo le ha ganado varios premios internacionales, incluido el Premio Nobel de la Paz en 1992. 

Frente a su próxima candidatura política, Rigoberta responde a la pregunta ¿por qué da el salto a la política?  “Porque queremos ejercer un derecho que los pueblos indígenas y muchas mujeres no hemos alcanzado en Guatemala: el derecho a ser elegidos”. R.M.

                 1953 –

Renombrada poeta, novelista y ensayista del Caribe. Su escritos son notables por la belleza en el uso del lenguaje, y su compromiso intenso con temas de justicia social, así como temas de género y raza. Consigue capturar, como pocas veces en la poesía escrita en ingles, la historia a través de los elementos simples de la vida cotidiana. Dionne habla de sí misma y de la lucha de su gente tanto en Canadá como el Caribe.

 Dionne Brand nació en Guayguayare, Trinidad. Luego de terminar la secundaria en Trinidad en 1970, se mudó a Toronto, donde vive desde entonces. Estudió en la Universidad de Toronto, donde obtuvo una licenciatura en literatura y filosofía, y un Master en filosofía de la educación.

Dionne Brand ha publicado dieciocho libros, ha contribuido en diecisiete antologías, ha escrito docenas de artículos, y ha hecho cuatro documentales para el National Film Board.
También ha enseñado literatura y ha dado clases de creación literaria en British Columbia y Ontario. Llevó a cabo estudios sobre la mujer en la Universidad de Simon Fraser. Vive en Toronto y en la actualidad trabaja como profesora en la Universidad de Guelph.

Como poeta y escritora afro-caribeña canadiense, Dionne es una tipo de mujer exiliada particular, que ha asimilado su experiencia para infundirle gran fuerza en lo personal y profesional. De descendencia africana, su historia ligüística y cultural fue truncada por el desplazamiento forzado de sus ancestros al nuevo mundo. Su vida en el caribe se vio afectada por el impacto inevitable del colonialismo, temas de los que habla a menudo en su poesía. En Canadá, a pesar de encontrar el racismo y el rechazo, logró emerger como una poeta y escritora multicultural y multifacética que ha dejado una huella imborrable en el mosaico cultural canadiense.

Dionne se destacó al ganar como poeta el galardón literario Governor General con su libro Land to Light On, y la nominación por sus libros No Language Is Neutral e Inventory. También obtuvo el premio Pat Lowther de poesía y su libro thirsty fue nominado para el premio Griffin de poesía. Alcanzó gran prestigio y variados elogios por su trabajo en prosa y cine. Sus libros de ficción incluyen la novela In Another Place, Not Here (galardonado en 1998), y At the Full and Change of the Moon (galardonado en 1999). Su novela aclamada y ganadora del premio Toronto Book Award, What We All Long For, cuenta la historia de cuatro jóvenes en Toronto. Al igual que thirsty, un libro de poemas reciente, la novela ofrece un retrato imborrable de esta ciudad multicultural. Sus trabajo ensayísticos incluyen Bread Out Of Stone, y A Map to the Door of No Return, una meditación sobre la condición del negro en la diáspora.  

Ha escrito para numerosas revistas sobre temas que abordan los principios de la distribución igualitaria de la riqueza y la erradicación de la explotación laborar de la mayoría de los pueblos del mundo; ha trabajado para varias organizaciones relacionadas a la liberación de la mujer de situaciones de violencia doméstica, temas de inmigración y transformación, identidad nacional y opresión colonialista. Su expresión es un acto de liberación, al romper el silencio y darle una voz a los silenciados y marginados del mundo.

«Sentía que la experiencia de la gente negra era tan importante y valiosa que tuve que leer sobre ella y escribir. Por eso comencé a escribir. Cuando me mudé a Canadá en 1970 me incorporé en movimientos de derechos civiles, feministas y sociales. Tenía apenas diecisiete años, pero ya sabía que para vivir en libertad en el mundo como mujer negra, tendría que involucrarme en movimientos políticos y escribir».  

Con motivo de la maratón de Londres del día de hoy, una deportista ejemplar de la que poco se sabe.

Otra mujer que no se encuentra en mi lista de las 200, pero que se suma a la lista de las mujeres que en su silencio influeyen en la sociedad y constituyen un modelo para muchas mujeres.

    21/07/1973 

Las carreras profesionales en Etiopía siempre fueron territorio masculino desde Abebe Bikila, quien en 1960 ganó descalzo la maratón olímpica de Roma.  Pero en los últimos 15 años, las corredoras femeninas también comenzaron a ganar medallas olímpicas y maratones.   Hoy, siete de los 10 principales atletas en Etiopía son mujeres.  Con ello se abre la posibilidad de cambio para muchas vidas marginalizadas en la sumisión doméstica. 

Nacida en Shewa, Berhane fue la corredora etíope más constante en distancias de 3000m a 21 km entre las olimpíadas de 2000 y 2004. Berhane, que significa “mi luz”, es una campeona de larga distancia y una embajadora para la educación de la mujer en Etiopía. Ha resaltado la importancia de la educación y el deporte para la juventud y trabaja para UNICEF. Nació en una región rural y fue al colegio donde comenzó a competir, hasta llegar a representar a su país en eventos internacionales. Para ella, su educación fue fundamental para lograr el éxito en el deporte, que representa una alternativa de libertad para muchas mujeres en Etiopía. Berhane pudo así ampliar sus perspectivas y desarrollar sus cualidades.

En Etiopia, donde la mujer es considerada inferior, Berhane comenzó desde una posición de gran desventaja para conseguir colocarse en una posición de igualdad a través del éxito conseguido en la carrera de distancia. Berhane vive con su marido y su hijo en Etiopía.

“Las jóvenes son particularmente vulnerables y fácilmente lastimadas. Si una joven se educa, puede protegerse de muchas cosas. En nuestro país, estamos pasando por un momento difícil con el Sida. Para protegernos y evitar el comportamiento destructivo la educación es fundamental”. B.A.

     27 July 1940 –

Una de las grandes innovadoras de los últimos 50 años, la coreógrafa Pina Bausch  amplió las posibilidades de la danza moderna. Su influencia es evidente no sólo en creadores como William Forsythe y Maguy Marin, que la siguen abiertamente, sino en el mundo de la danza.

De Pina Bausch se dice que es obsesiva, agotadora, esquiva, magnética y exasperante. Lo que sí es indudable es su pasión por el teatro danza, y el amor y el respeto que sienten por ella y su trabajo sus bailarines y su público. “Esencialmente, Pina ha reinventado la danza”, dice Forsythe.

Pina nació en Solingen en una familia que tenía un modesto restaurante con un pequeño hotel. Con dos hermanos mayores que ella, Pina pasaba mucho tiempo sola en el restaurante sin tener con quién jugar. Desde temprano comenzó a bailar, cosa que llamó la atención de los bailarines del teatro de Solingen que comían en el restaurante. Pronto sus padres la enviaron a clases de ballet. A los 14 años estudió en la escuela Essen Folkwang que dirigía el conocido coreógrafo, Kurt Jooss, un hombre amable, generoso y cálido con gran sentido del humor. Su escuela fue un lugar especial donde Pina también se interesó en las otras disciplinas de estudio: opera, actuación, pantomima, artes gráficas, fotografía, escultura. Este interés interdisciplinario influyó en la creación de sus decorados inconfundibles, como el mar de flores en su obra Nelken, los montículos de hojas en Bluebird, el escenario inundado de Arien.

Con la graduación, Bausch obtuvo una beca para estudiar en la Escuela Juilliard de Nueva York, donde sus maestros de coreografía fueron José Limon, Paul Taylor y Antony Tudor. En 1962, Bausch regresó a Alemania para trabajar con Jooss como solista en el ballet de Folkwang donde lo sucedió como directora. Once años más tarde, le ofrecieron la dirección del teatro municipal Wuppertal Dance, que luego cambió su nombre por Tanztheater Wuppertal Pina Bausch. El comienzo no fue fácil. El público no entendía su lenguaje coreográfico y los bailarines se rebelaban por la falta de danza en sus obras. Bausch no se dio por vencida. Encontró un aliado en Rolf Borzik, un diseñador, con quien se casó y tuvo su hijo Rolf. Su marido falleció en 1980. Desde Wuppertal, dirige su compañía hace 25 años. La compañía trabaja de 10 de la mañana a 10 de la noche cada día de la semana durante tres meses antes de un estreno.

Desde 1978, Pina trabaja usando la técnica de «pedido/respuesta». Pina pide a sus bailarines que interpreten un estado de ánimo o un deseo, a partir de sus respuestas, construye un collage. Algunos de los pedidos de Pina han sido:
Copia el tic nervioso de alguien.
Haz algo que te avergüence.
Escribe tu nombre con un movimiento.
¿Qué harías con un cadáver?
Mueve la parte favorita de tu cuerpo.
Compórtate como si hubieras perdido algo.
La inspiración de Bausch no sólo viene del interior. Desde 1986 viene montando coproducciones en colaboración y bajo la influencia de otras ciudades. Su compañía se establece en una ciudad por un mes para que los bailarines absorban su atmósfera y le ofrezcan nuevas ideas. Wiesenland  fue una coproducción con Budapest, mientras que Masurca Fogo surgió de su visita a Lisboa en 1998.

Una mujer de pocas palabras, Pina eligió bailar por tener miedo de hablar. El movimiento la hacía sentir. Las producciones de pina mezclan texto, canción, trucos circenses, acrobacia, el uso de imágenes imponentes y decorados monumentales. La danza tiene un papel secundario. Su trabajo linda con la alienación,  y el efecto sorpresa toca el subconsciente a través de imágenes que evocan nuestra sociedad haciendo uso de elementos expresionistas de naturaleza surreal. La repetición es un instrumento importante en su trabajo, al igual que el humor infundido a través de la tristeza. Pina postula preguntas sobre el amor, el deseo, la búsqueda del sentido humano, la sexualidad y las interrelaciones entre los sexos, con caóticas intrusiones de la vida diaria. 

“Yo nunca me doy por vencida”. P.B.
“Cuando creo una nueva obra, nada me ayuda.
Cada vez soy una principiante.
Quiero desistir, pero no lo hago” P.B.

               29/04/1936 – 25/09/1972 

Una poeta que lucha por conquistar el desconcierto a través de la expresión poética. Con apenas 19 años, la autora ofrece una visión con conciencia clara de su mundo, y perfila los símbolos básicos y los temas de su poesía. El miedo al paso del tiempo, el miedo como un dolor casi físico que todo lo tiñe de una angustia incontrolable. Los recuerdos de infancia, de años idílicos y seguros, que no consiguen vencer el miedo para seguir adelante.

Alejandra Pizarnik nace en Buenos Aires en una familia de inmigrantes rusos judíos que llega a la Argentina, luego de haberse establecido un tiempo en París. La familia se establece en una espaciosa casa en Avellaneda y se dedica a la venta de joyas. Según su padre, Alejandra tiene una infancia bastante liberal, aunque con signos de una fragilidad que comienza a revelarse a través del asma y la tartamudez. En 1954 Pizarnik termina la escuela secundaria e ingresa en la Universidad de Buenos Aires para estudiar filosofía y letras. Al mismo tiempo comienza a aflorar una vocación literaria y un interés por el periodismo que termina por abandonar. En cambio se interesa por otras expresiones que la seducen más como la pintura, que más tarde estudiará con Juan Batlle Planas. Su padre Elías cubre los gastos de la publicación de su primer libro, La última inocencia (1956), e incluso paga por los honorarios del psicoanalista que intenta ayudarla a resolver su “desorden emocional”. De hecho, ni la pintura ni la poesía resultan ser una terapia suficientemente efectiva. En cambio, Pizarnik intenta silenciarlos con el uso de anfetaminas. También alivia el dolor con analgésicos y utiliza con frecuencia somníferos para escapar del insomnio.

Pizarnki tiene una aversión profunda a la política, por el hecho de que su familia en Europa ha sido sucesivamente aniquilada por el fascismo y el estalinismo. Dentro del panorama surrealista, hay dos escritores que coinciden con su visión poética: Enrique Molina y Olga Orozco. Con esta última tendría una profunda relación de amistad y se convertiría en su confidenteEntre 1960 y 1964, Pizarnik vive en París donde trabaja para la revista Cuadernos y algunas editoriales francesas. Publica poemas y críticas en varios diarios, traduce a Antonin Artaud, Henri Michaux, Aimé Cesairé, e Yves Bonnefoy, y estudia historia de la religión y literatura francesa en la Sorbona.  

Ensimismada, el tema de la muerte la rodea e intenta descifrarla en Árbol de Diana (1962) y Los trabajos y las noches (1965), que publica al regresar a Buenos Aires. Cuando en 1966 retoma las páginas de su diario, describe su llegada a los treinta años, sin saber aún nada de la existencia. Mediante el simbolismo de Extracción de la piedra de locura (1968), el dolor y la impotencia configuran el entramado poético, a través de la constatación de la falta de fe en su propia imaginación creadora.Sólo con la misma frustración y melancolía es posible estudiar en profundidad libros como Nombres y figuras (1969), La condesa sangrienta (1971) y El infierno musical (1971). Ya casi se puede vislumbrar un propósito testamentario. En 1969 recibe una beca de la Guggenheim, y en 1971 una de la Fullbright. El 25 de septiembre de 1972, mientras pasa un fin de semana fuera de la clínica siquiátrica donde está internada, Pizarnik muere de una sobredosis intencional de seconal. 

Extractos de sus diarios:

“Cada poema ha sido escrito desde una total abolición (o mejor: desaparición) del mundo con sus ríos, con sus calles, con sus gentes”. A.P. 

“Lo infantil tiende a morir ahora pero no por ello entro en la adultez definitiva. El miedo es demasiado fuerte sin duda”. A.P. 

“Me miro en el espejo y parezco una adolescente. Muchas penas me serían ahorradas si aceptara la verdad”. A.P.

Para continuar con las celebraciones de San Patricio
del día de ayer…

     
   20/12/1865 – 27/04/1953

Llamada «la Juana de Arco irlandesa», una mujer que no sólo se negó a resignarse al papel que la sociedad de su época le imponía, sino que se introdujo en el duro mundo de la política para dejar su impronta en la historia de Irlanda.

Gonne nació en Aldershot, Inglaterra. Hija de un coronel del ejército británico descendiente de irlandeses adinerados y de madre inglesa. Al morir su madre en 1871, Maud fue a estudiar a París y regresó a Dublín en 1882 con su padre, quien murió en 1886, dejando a Maud en buena situación económica. Al regresar a Francia para reponerse de una hemorragia tubercular, Maud se enamoró del periodista francés Lucien Millevoye, director de La Patrie. La pareja comenzó a trabajar por las causas nacionalistas de Irlanda y Francia. El político irlandés Tim Harrington la envió a Donegal, donde se dedicó activamente a organizar protestas entre los residentes contra los desalojos en masa, y levantar fondos para la construcción de viviendas. Con su inminente arresto, en 1890, Maud escapó a Francia, donde tuvo un hijo de Millevoye y trabajó como redactora de la publicación mensual L’Irlande Libre.

En 1889,  conoció al poeta William Butler Yeats, que viviría una gran pasión por Maud durante toda la vida, a pesar de que ella rechazara su propuesta de matrimonio en 1891. Además de escribirle innumerables poemas, bajo su influencia Yeats participó en el movimiento nacionalista irlandés. Gonne ayudó a Yeats en la fundación de la Sociedad Literaria Nacional de Londres en 1891. Trabajó incansablemente en la recaudación de fondos para el movimiento nacionalista. Dejó a Milevoye y regresó a Irlanda, donde su nombre era bien conocido entre los nacionalistas.

En 1900 cofundó la sociedad revolucionaria de mujeres Hijas de Erin para la que escribiría numerosos artículos feministas y políticos. Al mismo tiempo que ayudó a Yeats a establecer en Dublín el Abbey Theatre, donde interpretó el papel principal de una de sus obras. En 1903 se casó con el mayor John MacBride que había luchado junto a los Africaners en la Guerra de los Bóer. Aunque tuvieron un hijo, Seán, la unión no duró. Maud permaneció en París con su hijo. Allí continuó escribiendo artículos políticos y en 1910 ayudó a organizar un programa para alimentar a los pobres. También trabajó con la Cruz Roja durante la Primera Guerra Mundial. Sólo regresaría a Irlanda en 1917, donde encontró gran agitación a raíz del Alzamiento de Pascua y la ejecución de sus líderes, incluso su ex marido John MacBride. Al año, Maud fue encarcelada durante seis meses en Londres por su participación en el movimiento contra la conscripción junto a Hanna Sheehy Skeffington, Kathleen Clarke, la condesa Markievicz y otras. Luego de su liberación, trabajó para la Cruz Blanca para auxiliar a las víctimas de la Guerra de Independencia.

Con la Guerra Civil Irlandesa, Maud fundó la Liga para la Defensa de las Mujeres Prisioneras para ayudar a las prisioneras republicanas y sus familias. En 1923,  nuevamente fue encarcelada. Esta vez por el gobierno del Estado Libre Irlandés, pero sin que se le imputaran cargos. Junto con 91 mujeres, Gonne comenzó una huelga de hambre, gracias a la cual fue liberada a los 20 días. En 1938 publicó su autobiografía, A Servant of the Queen. Luego de su muerte, Gonne continuo influenciando a Irlanda a través de su hijo, Seán MacBride, quien luchó junto a los republicanos en la Guerra Civil, y continuó con la cruzada de su madre por el trato justo de los prisioneros, no sólo en Irlanda sino en todo el mundo. Seán fue uno de los fundadores de Amnistía Internacional. En 1974, Seán recibió en Premio Nobel de la Paz.

CUANDO ESTÉS VIEJA
«Cuando estés vieja y gris y soñolienta
y cabeceando ante la chimenea, toma este libro,
léelo lentamente y sueña con la suave mirada
y las sombras profundas que antes tenían tus ojos.

Cuántos amaron tus momentos de alegre gracia
y con falso amor o de verdad amaron tu belleza,
pero sólo un hombre amó en ti tu
alma peregrina
y amó los sufrimientos de tu cambiante cara.

E inclinada ante las relumbrantes brasas
murmulla, un poco triste, cómo escapó el amor
y anduvo en las cimas de las altas montañas
y entre un montón de estrellas ocultó su rostro».
William Butler Yeats

Una mujer que no está entre los 200 rostros,
pero que surgió por error… o por suerte.

     12/02/1861 – 05/02/1937

Novelista, ensayista, psicoanalista, y amiga inspiradora de autores y pensadores como Nietzsche, Rilke y Freud. Lou Andreas-Salomé escribió profusamente sobre crítica literaria, filosofía y psicoanálisis. Por su indiferencia ante las convenciones morales y una curiosidad insaciable, Andreas-Salomé representó un desafío para la sociedad de la época.